BLANCO SOBRE NEGRO. Trazados urbanos

El arte urbano traspasa los límites de la pintura grafitera que desde siempre ha existido. Se desarrolla en todos los ámbitos, va desde los anuncios publicitarios que amueblan las calles, hasta las expresiones graficas de los grupos callejeros, a las formas e vestir de la gente que llena los escenarios urbanos… los pasos de cebra, elementos que siempre han estado ahí, dedicados a una función y que simplemente se establecían como eso, se imbuyen también de esa caracterización, personalización e intento de apelar  a un público que les hace ser considerados como expresiones artísticas.

¿Si el arte es una forma de expresar y ver las cosas, por qué no va a llenar lo cotidiano?

Las calles son ahora lienzos en los que, se dibujan líneas que crean espacios diferentes.  La intención es la misma que la de los grafitis pero con la diferencia, ¿tal vez buscada? de que esa expresión artística no está condenada.

En esta misma línea de intención, aunque no de expresión, se podría hablar del cuadro de Monet  “almuerzo en el campo” que busca prácticamente lo mismo que otros cuadros clásicos que no estaban mal vistos por la sociedad de esa época. La diferencia entre ellos era la coartada del desnudo clásico para realizar alegorías, mientras que el desnudo en el cuadro de Monet no encontraba ninguna justificación.

Salvando distancias, los pasos de cebra son graffitis en el suelo, formas de expresión que los amantes del street art hacen como suyas. Estar en las paredes o en el suelo no es la única diferencia que los hace “legales” sino que tras esa forma de de expresión existe una funcionalidad urbana. Otros tipos de arte urbano no la tienen sino que han sido consideradas únicamente como expresiones artísticas fuera de contexto. Serían como las obras de arte retiradas de los salones públicos.

Arte efímero sin fecha de caducidad

Antes el rey buscaba un escultor para hacer perdurar su nombre, el general un arquitecto para edificar la conmemoración de una victoria, la mujer, un pintor para conservar eterna la belleza de su juventud.  En el objeto mismo de las maquetas, estaba la intención de representar en 3 dimensiones a la vez que la de no poner fecha de caducidad a un proyecto que podía ser agotado por el tiempo.  Ahora ese sentido historicista del arte se ve relegado a la posibilidad que ofrecen las nuevas tecnologías para hacer perdurar personas, situaciones, hechos en el tiempo, para recoger la historia y narrarla. El arte se reserva los derechos de expresión y se permite el lujo de ser efímero, de impactar en un momento dado pero, de no tener la intención de durar para siempre.

La vida y el tiempo pasan mucho más rápido ahora. Estamos acostumbrados a tener lo que queremos ahora, a poder revivir mediante el cine, las grabaciones y miles de formatos del recuerdo, el pasado. Lo de antes puede ser ahora igual que lo de ahora será luego. La sociedad consumista, la facilidad de medios de comunicación permiten que para la obra de arte no exista el tiempo.

Quería concretar esta idea del arte efimero fijandome en una de sus manifestaciones: la escultura de arena.

Soy escultor de arena.

Suena a broma, pero no lo es. En el mundo existen decenas, tal vez cientos, de escultores de arena profesionales. Son artistas de lo efímero que han perfeccionado la infantil tarea de construir castillos en la playa gracias a largas horas de experimentación y práctica, hasta convertirla en una ocupación de insospechadas aplicaciones y alcances.
Los escultores de arena construyen obras de variada temática, máxima precisión y (generalmente) ambiciosas proporciones. Lo hacen utilizando técnicas de compactación, humectación y moldeado del dorado elemento y valiéndose de algunos utensilios y herramientas (palas, pinceles, cubos, redes, plásticos, etc.). Sus creaciones duran apenas unos días, a veces tan sólo horas por efectos de algún inesperado vendaval o tormenta, pero siempre concitan la inmediata atención de quienes las encuentran a su paso.

ROCKWELL y POLLOCK. Crítica edulcorada y provocacion es lo buscado.

Norman Percevel Rockwell (1894-1978) fue un ilustrador, fotógrafo y pintor estadounidense.

Las primeras obras de Norman Rockwell tienen un profundo sentido anecdótico; proliferan, las obras que representan a niños en diferentes actitudes. También como los dedicados a la crítica social o a ensalzar ciertos valores o virtudes del pueblo norteamericano y de la raza humana en general. Algunos de sus trabajos respiraban cierto aire patriótico.

Otras de las obras de  Rockwell hablan de un punto mordaz y crítico con la sociedad: los cambios políticos que entonces sufrió norteamérica, entre ellos los de la integración de los negros, la lacra del racismo y la investidura del presidente Kennedy. Algunos de esos temas cotidianos que norman retrata con optimismo y humor, critican, siempre desde ese punto de vista amable y caricaturesco, rasgos de esa sociedad.

Paul Jackson Pollock

De un absoluto ignorante, dedicado a alguien, que nunca supo quién fue Pollock,  ni le importó.

Con cariño.

J Pollock

 “Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien.”

Fue este artista quien llevó al  dripping a su máxima expresión y nivel pictórico:

"El lienzo crudo de grandes dimensiones esta dispuesto en el suelo del estudio. El pintor avanza por encima de él, por los cuatro lados. Suele pisarlo. En la mano izquierda un bote metalico lleno de pintura muy líquida, en la derecha un palo corto, pincel endurecido, paleta y ... manga pastelera. Un cigarrillo se lanza, retrocede, gira gesticula, vuelve, se aleja dejando chorrear la pintura buscando bucles, o delgados filamentos. Pollock ejecuta una especie de baile estatico cuyas circunvoluciones quedan grabadas en su mano como un sismógrafo. "

ROCKWELL+POLLOCK

Quería fijarme en una de esas obras repletas de ironía de Norman Rockwell, como "El entendido", de 1962, donde representó a un hombre de espaldas observando con pose afectada un cuadro perteneciente al Expresionismo abstracto, de Pollock, por el que Rockwell se sentía atraído. El hecho de que Rockwell supiera representar la realidad con una maestría increíblemente precisa, hacía contraste con sus obras de carácter expresionista, las cuales realizaba tanto a modo de burla como de estudio.

Pollock no preparaba nada, boceto o estudio, antes de lanzarse sobre su lienzo, fiándose únicamente de su impulsión instintiva, ciertamente controlada, pero a la vez imprevisible.

Mediante esta obra pretendía mostrar al espectador el abrumador efecto que tiene este tipo de arte sobre alguien, que aun así intenta encontrarle el sentido, por miedo a la descalificación.

Jeff Wall y Delacroix: Composición, color, historia.

Se puede hablar de las fotografías de Jeff Wall si de una escena de película se tratara: con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Édouard Manet. Los temas que maneja son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase.

Con The destroyed room Wall construye una alegoría del fracaso del individuo contemporáneo: la imagen descubre un panel iluminado fijado a un escaparate al nivel de la calle de una galería de Vancouver, es la desolación inesperada donde debía haber sólo una ilusión momentánea y tranquilizadora.

El artista promueve la lectura de sus obras a la luz de una vocación de historiador sobre todo del siglo XIX y por la "expansión" de la imagen fotográfica hacia lo literario. Puede que Wall haya descubierto que las "señales de indiferencia" de la fotografía actual han perdido su capacidad de acercarse al gran simulacro que es hoy nuestra vida moderna y se resigne a ver en la literatura el único medio capaz de reconocer la realidad entre sus disfraces.

Su trabajo es el de un creador perfeccionado a partir, como él mismo reconoce, de "la confusión existente en la historia del arte". Por ello, retoma trabajos de autores como el romántico Delacroix en el que se inspiro para crear su The destroyed room.

En "La habitación destruida", estaba interesado en hacerle un remake a una imagen preexistente, una especie de actitud manierista sobre la imagen. La pintura de Delacroix me pareció muy moderna. Veo muchas de las tan llamadas artes viejas de ese modo ¿Porqué no deberíamos poder relacionarnos con ellas como contemporáneas? (Entrevista a Jeff Wall en moma.org).

La muerte de Sardanópulos es una escena del monarca Asirían (territorios de Irán, Irak, Siria y Turquía) en su lecho de muerte y la matanza de sus concubinas como un desafío hacia sus enemigos.

Esta referencia es realizada por Delacroix con el mismo complejo de historiador que Jeff Wall. Recupera un escenario pasado con el que luego podrá analizar los rasgos de su época. Muestra el erotizado ideal de la gloria militar que caracterizo al período Napoleónico.  En el marco histórico de Delacroix se encuentran el principio de la modernidad, la burguesía, la vida privada.

Dickens y Marwan: Niños de la calle

Charles Dickens (1812-1870)

Las novelas de Dickens eran, entre otras cosas, trabajos de crítica social. Él era un fiero crítico de la pobreza y de la estratificación social de la sociedad victoriana. A través de sus trabajos, Dickens mantenía una empatía por el hombre común y un escepticismo por la familia burguesa. La segunda novela de Dickens, OliverTwist (1839), fue responsable de la limpieza del actual arrabal de Londres que fue la base de la historia La isla de Jacob. Además, con el personaje de una trágica prostituta, Nancy, Dickens «humanizó» a tales mujeres para los lectores, mujeres que eran apreciadas como «desafortunadas», inmorales víctimas inherentes de la economía del sistema victoriano.

Oliver Twist Es la primera novela en lengua inglesa que tiene a un niño como protagonista^[] y es también destacable por su escasamente romántico tratamiento del mundo de los criminales y sus sórdidas vidas.

Se trata de una de las primeras novelas sociales de la historia de la literatura. Llama la atención a sus lectores sobre varios males sociales de la época, como el trabajo infantil o la utilización de niños para cometer delitos. Dickens se burla de la hipocresía de su época tratando estos temas tan serios con sarcasmo y humor negro.

	Marwan nace el 5 de Marzo de 1979. A los 15 años se compra una guitarra para tocar música con sus amigos pero es la escucha de ciertos cantautores de toda la vida y algunos de la nueva hornada de cantautores españoles que conoció en la sala la Redacción de Madrid lo que hace que comience a componer. Bueno ‘no compone el que quiere sino el que lo necesita ya que hacer canciones es algo que sale porque no se puede hacer otra cosa con esos sentimientos’. Desde que era pequeño en su casa habían sonado los grandes de la música de autor pero fue la generación de autor de los 90 surgida en pequeños bares y cafés la que realmente atrapa a Marwan. Cantautores como Ismael Serrano, Pedro Guerra, Tontxu y otros menos conocidos pero no menos buenos como César Rodríguez, Carlos Chaouen, Antonio de Pinto, Paco Bello,... le hacen ver que este tipo de música no está sólo reservada para los clásicos sino que también había jóvenes que se expresaban mediante la música y la poesía y que tenían las mismas inquietudes que el. Marwan pensó desde ese momento que esa era la forma más bella de contar las cosas y así lleva todos estos años. Lo que el no sabía era que esta forma de expresarse sería poco tiempo después una necesidad, porque como él dice ‘es la mejor manera de sacar los sentimientos buenos y malos y hacer con ellos algo hermoso’. Naciste sobre un sucio trapo en tu casa, una favela de Brasil Naciste con la cruz del pobre a la espalda, con un cartón como cojín Naciste y te bautizaron con hambre y te apellidaron miseria Naciste y estrenaste vida sin padre, naciste esa fue tu sentencia Creciste viviendo la droga en la plaza, el pegamento no dio tregua Creciste descalzo aunque era en el alma donde te salían las durezas Creciste sin más profesor que la calle, sin más ley que la de la fuerza Creciste y te quedó tres tallas grande lo que sucedía en la acera Tus sueños tenían forma de balón Vigila tus pasos pues vendrá el escuadrón Niño vagabundo es carne de cañón, Meninos da rua Tus sueños tenían forma de balón Vigila tus pasos pues vendrá el escuadrón Niño vagabundo es carne de cañón, Meninos da rua Meninos da rua Viviste teniendo sólo una alegría, el mundial que ganó Brasil Viviste creyendo que el destino en la vida sólo consistía en morir Viviste con la palabra precintada, no te fiabas ni de ti Viviste no dejando que te pisaran, golpeaste por no recibir Tus sueños tenían forma de balón Vigila tus pasos pues vendrá el escuadrón Niño vagabundo es carne de cañón, Meninos da rua Tus sueños tenían forma de balón Vigila tus pasos pues vendrá el escuadrón Niño vagabundo es carne de cañón, Meninos da rua Meninos da rua Moriste a esa hora en que los gallos hacían de despertador Moriste y en el suelo dejaste un charco de sangre que a nadie importó Moriste como un niño viejo que andaba jugando a nada y perdió Moriste y nadie te echó en falta porque otro menino nació Tus sueños tenían forma de balón Pero se pincho el día en que llegó el escuadrón Niño vagabundo fue carne de cañón, Meninos da rua Tus sueños tenían forma de balón Pero se pincho el día en que llegó el escuadrón Niño vagabundo fue carne de cañón, Meninos da rua Meninos da rua Naceu em um pano sujo na sua casa numa favela do Brasil Naceu com a cruz dos pobres nas costas, com um papelâo como berço Naceu e te batizarâo com fome e teu sobre nome miseria Naceu e estranhou uma vida sem pai, naceu essa foi sua sentença Teus sonhos tinhamde forma de balâo. Mais furo o dia que chegou o escadrao. Menino vagabundo foi carne de pistola, meninos de rua Tus sueños tenían forma de balón Pero se pincho el día en que llegó el escuadrón Niño vagabundo fue carne de cañón, Meninos da rua Meninos da rua Meninos da rua Meninos da rua Meninos da rua Meninos da rua Meninos da rua Meninos da rua A diferencia de otros cantantes del momento, Marwan no tiene como objetivo destacar en lo comercial. La música la emplea como una necesidad. Una manera de hablar, o de gritar lo que está contemplando a su alrededor. Esta canción es un claro ejemplo de ello. Habla de los niños olvidados de las calles de cualquier ciudad del mundo concretadas en las calles brasileñas. Son considerados por muchos como delincuentes, como niños sin escrúpulos ni moral. Lo que tienen esos chicos es en realidad miseria y pobreza. Y ganas de vivir. Pero la vida no les ha brindado esas oportunidades que, en nuestras circunstancias parecen tan innatas, para alcanzar sus sueños. Cada día se les presenta como una carrera de obstáculos. Y la corren como pueden. Es la pluma el instrumento que utilizan estos dos autores para expresarse. Con más de dos siglos de distancia, ambos hablan en contra de una injustica presente en su tiempo. La pobreza, la falta de educación y de oportunidades en la infancia. Un problema social constante causado por la miseria y que, con el paso de los años, continúa inmutable.

Luis XIV. ¿antecesor de Dior?

Ambos personajes son reales, reyes de su tiempo y franceses. Ambos residieron el París y fueron el personaje del momento. Los dos se consideraron como dioses en su momento por sus “súbditos”. Uno fue absolutista y otro el creador de un nuevo imperio.

Bajo su mandato, Francia no sólo consiguió el poder político y militar, sino también el dominio cultural con personajes como Molière, Racine, Boileau, La Fontaine, Lully, Rigaud, Le Brun y Le Nôtre. Estos logros culturales contribuyeron al prestigio de Francia, su pueblo, su lengua y su rey. Luis XIV, uno de los más destacados reyes de la historia francesa, consiguió crear un régimen absolutista y centralizado, hasta el punto que su reinado es considerado el prototipo de la monarquía absoluta en Europa. La frase «L'État, c'est moi» («El Estado soy yo») se le atribuye frecuentemente.

Realmente preocupado por su imagen -no podía pasar por delante de un espejo sin mirarse en él-, Luis XIV no sólo siguió las tendencias de la moda, sino que dada su enorme influencia, impuso algunas de sus costumbres en el vestir: enormes pelucas de pelo natural, mangas adornadas de ricos encajes venecianos y, cómo no, sus famosos zapatos de tacón alto. Zapatos exquisitos y únicos elaborados siempre por su zapatero personal, el francés Nicholas Lestage. Un artesano al que dio precisas instrucciones: refinados, aunque adornados con vistosos lazos, brocados y piedras preciosas; suelas de color rojo; tacones con una pequeña curvatura; bordados en plata con escenas de batallas... Hasta tal punto el Rey era fanático de sus nuevos zapatos que -en parte, para hacer constatar su supremacía- prohibió llevar el exclusivo modelo al resto de la corte y aquel que le desobedeciera sería castigado con la pena de muerte.

Luis XIV lució tacones para disimular su corta estatura... Y revolucionó la moda del calzado. De hecho, actualmente siguen dando que hablar los zapatos del Rey Sol. Christian Louboutin, una figura de mención obligada a lo que diseños de zapatos se refiere, confiesa: “La estatua de Luis XIV lleva unos de mis zapatos preferidos: una especie de sandalia retrabajada”. Y, aún hoy, la mujer del siglo XXI continúa cayendo rendida ante el encanto del tacón conocido como Luis XIV.

Christian Dior. Francia s XX

En veinte años expandió su negocio a 15 países y empleaba a más de 2.000 personas. Es especialmente conocido el llamado "New Look" de 1947 (sobrenombre dado por una periodista americana), un estilo de costura para mujer que propone hombros torneados, cintura fina y falda amplia en forma de corola a veinte centímetros del suelo. Representa la elegancia clásica y la vuelta a una imagen femenina, y supuso la recuperación del lujo y el exceso tras la depresión de la Segunda Guerra Mundial. Representó un cambio dramático de la moda austera de la guerra. Con sus creaciones pretende dar pie a una nueva visión de los años que comienzan, una época de prosperidad en las que las miserias deben quedar atrás. De la nada, creo un imperio: el de la nueva moda del siglo XX.

Dos reyes de su tiempo y de la moda. Crearon un modo de ver la indumentaria nuevo para su época. Dieron de qué hablar, fueron un icono para ese campo. El rey sol se proclamó representante de la voluntad celestial y, como tal, impuso la suya propia. Creo una imagen personal que reivindicaba su posición de supremacía. Christian Dior instituyó una nueva mujer que hablaba de una nueva era.

Caravaggio y el cine negro.

Dentro de todo el abanico de posibilidades que la crítica a través del arte puede otorgar, voy a concretar mis entradas en analizarlo a través de dos personajes o expresiones artísticas en distintas éspocas de la historia. Comienzo con un pintor del barroco y un tipo de cine de principios de siglo XX.

Caravaggio. S XVI y XVII.   Considerado el primer gran exponenete de la pintura del barroco. Tomando como base las reglas del manierismo, creo una nueva forma de naturalismo, en la que combino figuras cerrradas con la observacion fisica, dramatica y teatral de los objetos, a lo que sumo el aprovechamiento del claroscuro, es decir, de luces y sombras.  Colocó la oscuridad en el claroscuro, oscureciendo las sombras y  transformando el objeto en un eje de la luz. El artista comenzó a plasmar el físico y la psicología de los personajes de una forma cada vez más real y aguda.

Caravaggio se revela ante esa sociedad negándose a idealizar las figuras que dibujaba ciñéndose avariciosamente al modelo. Además, para representar angeles o vírgenes utilizaba a niños de la cale o prostitutas, por lo cual tambien fue muy cuestionado. Fue un rebelde de su tiempo, que no seguía las normas impuestas por la sociedad en la que le toco vivir, a pesar de trabajar directamente para las autoridades papales o nobles. Se niega a transformar la realidad, la representa tal  como es no como muchos creían que debería ser.

El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos durante la década de 1940 y 1950. Habitualmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales con un fuerte contenido expresivo y una característica estilización visual. Su construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un lenguaje elíptico y metafórico donde se describe la escena caracterizado por una iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente, se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes. Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro. Al mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus motivaciones son difíciles de establecer.

Podría establecerse una relación entre estos fotogramas y los cuadros de Caravaggio. Ambos, con el objetivo de crear ciertas sensaciones psicológicas, con el motivo de caracterizar a los personajes, los representan con esta técnica del claroscuro. Caravaggio desea enfatizar la luz que recae sobre personajes santos, iluminando únicamente éstos por la luz y escondiendo el resto del espacio en sombra. El cine negro pretende crear un ambiente violento y misterioso, quiere incrementar el misterio que rodea a los personajes y, por ello, los envuelve en oscuridad.