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lunes, 30 de abril de 2012

FACE2FACE (EL PODER DEL RETRATO)

     


     Un retrato resulta la expresión plástica de una persona a imitación de la misma. En un retrato predomina la cara y su expresión, con el objetivo de reflejar la personalidad e incluso el estado de ánimo del individuo. Por esta razón, incluso en fotografía, un retrato no es generalmente una simple foto, sino una imagen compuesta de la persona en una posición estática.
     
     No se trata de reproducir los rasgos de manera mecánica (como una máscara de cera modelada sobre el rostro), sino que se incorpora la sensibilidad del artista, que interpreta la realidad para mostrarnos ese algo más allá de la misma.

     Los primeros retratos fueron encargados por reyes, emperadores,... personalidades que ansiaban perdurar en el tiempo más allá de la vida a través de su imagen. No obstante, en el mundo contemporáneo, el retrato se desliga de ese afán de inmortalidad para convertirse en algo de carácter más cotidiano.

     Face2Face es una iniciativa de arte urbano que reúne una serie de fotografías de rostros de israelíes y palestinos. El proyecto, desarrollado en 2007 por JR y Marco, surge como denuncia ante el continuo conflicto existente en Oriente Medio.

     Los artistas cubren el Muro de Cisjordania (barrera que separa los estados mencionados) con monumentales fotografías que enfrentan, por parejas, a árabes y judíos de la misma profesión. La expresividad de los rostros retratados resulta fascinante; más allá de la mera imagen se nos comunican sentimientos, emociones, pasiones,... que nos hacen olvidar las diferencias ideológicas y nos recuerdan que, en esencia, somos todos seres humanos.






Publicado por monografias3 en 4/30/2012 No hay comentarios:
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martes, 17 de abril de 2012

UNA PIEDAD ÁRABE

"...el ejercicio de la fotografía dentro del periodismo consigue, con frecuencia, imágenes de calidad con un trasfondo sumamente específico, síntesis de un momento singular, irrepetible, de circunstancias críticas que el fotógrafo es capaz de condensar en una instantánea cargada de significados...".

Anónimo



                     














     El World Press Photo 2012, galardón que se concede al mejor trabajo de foto-periodismo del año, fue otorgado al catalán Samuel Aranda, quien, durante el transcurso de las revueltas de la llamada Primavera Árabe, específicamente las que tuvieron lugar en Yemen, retrata a una mujer que acuna el cuerpo herido de un hombre, su hijo.

     Aranda capta un instante conmovedor, compasivo, en el que los gritos del silencio proclaman ser escuchados. La piel desnuda del hombre contrasta con el burka que cubre a la mujer; el blanco y el negro, la vida y la muerte. Resultan especialmente inquietantes los asépticos guantes de látex que luce la mujer, ya que disienten con el tacto tierno, dulce y delicado que su cuerpo advierte.

     La presente escena alude, indudablemente, a la célebre escultura de Miguel Ángel Buonarroti: La Pietà (1498-1499), en la que una Virgen doliente observa con estupor el cadáver de su hijo recién bajado de la cruz. Aranda transforma el mármol en carne.

     Considero realmente fascinante esta última cuestión: cómo un claro ejemplo de iconografía cristiana es relacionado con un suceso contemporáneo ligado íntimamente al ámbito musulmán (los ropajes de la mujer, esa túnica sin tiempo, la tragedia cotidiana de la guerra) para mostrar al mundo la universalidad del sufrimiento humano.





Publicado por monografias3 en 4/17/2012 No hay comentarios:
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viernes, 30 de marzo de 2012

THE VILLAGE: EL CONTROL UTÓPICO


     


THE VILLAGE (EL BOSQUE); 2004; M. Night Shyamalan


En El Bosque nada es lo que parece. Parece que estamos asistiendo a la vida de una comunidad rural del siglo XIX, autárquica, rodeada de un enigmático bosque. Una comunidad en cierto modo sofisticada, ordenada y elegante.

Los mayores del pueblo parecen tener todos una edad similar. Sus hijos son jóvenes, adolescentes, niños.

Y el bosque, un bosque habitado por criaturas mágicas y misteriosas, que protegen y amenazan: nadie puede entrar, nadie puede salir del pueblo.

Y una ciudad, una ciudad que los jóvenes no conocen. Es una referencia sin imagen. Ir a la ciudad significa cruzar el bosque, enfrentarse a las criaturas.

Los mayores han creado la comunidad; han huido del dolor que sintieron en el pasado, cuando residían en la ciudad. Se han aislado y han creado un mundo sin violencia, sin maldad, para sus descendientes. Esta idea de sociedad utópica y apartada nos recuerda, en cierto sentido, a los familisterios y falansterios planteados por Godin y Fourier, respectivamente, a lo largo del siglo XIX.

La presente reflexión surge en el momento en que los mayores de la aldea se reúnen para decidir qué hacer ante los acontecimientos desencadenados por el ataque sufrido por uno de los jóvenes. Alguien debe ir a la ciudad en busca de medicinas, con el consiguiente riesgo de que se descubra todo el entramado de engaños urdidos con el fin de proteger la verdad que ellos han creado en su huida de la violencia, corrupción y dolor que la avaricia que impregna el mundo urbano les provocó.

Deben dilucidar si es más importante la vida del joven herido o mantener su ficción de una comunidad, según ellos, perfecta.

Finalmente, los mayores deciden afrontar sus propias contradicciones y enviar a una joven invidente, novia del herido, a la ciudad en busca de medicinas.


En el presente análisis pretendemos establecer una relación entre la película seleccionada y la cuestión de la transmisión de la verdad entre los individuos de una sociedad, esto es, el legado social que el individuo recibe de su grupo: un conjunto de creencias, opiniones, juicios,…

Hablamos, en este caso, del conocimiento que los mayores transmiten al resto de individuos que conforman la comunidad. Se trata de un conocimiento creado por los propios mayores de la aldea ante el rechazo que los mismos muestran hacia los aspectos de deshumanización y violencia, de avaricia desmedida derivados del mal uso de los avances científicos y  tecnológicos del siglo XX; razón que les impulsa a crear un nuevo mundo particular, privado, basado en la tradición y las costumbres, en los valores morales, un mundo sin corrupción ni abusos, igualitario, en el que la codicia no tenga cabida.

Encontramos así a un conjunto de individuos, los jóvenes del pueblo, cuyo conocimiento está controlado. Este grupo desconoce la auténtica realidad, ya que únicamente conoce la verdad (ficticia) creada por el reducido grupo de mayores, un conocimiento personal que ellos consideran correcto y pretenden imponer como verdad colectiva.

 Creemos distinguir dos factores que participan simultáneamente del engaño, la educación y la política.

Los mayores se apoyan en la educación como instrumento para evitar que los jóvenes abandonen el mundo utópico de carácter neoconservador que ellos mismos han creado. La educación que reciben los jóvenes en la escuela del pueblo inculca en ellos ciertas normas, creencias y prejuicios, que nosotros sabemos falsos, que les muestran una única realidad, una única verdad.

El segundo factor, el de carácter político, también lo consideramos relevante. El sistema político que rige la aldea establece una jerarquía que atribuye poderes a un determinado y reducido grupo, el de los mayores. Este poder, que los mismos mayores se adjudican, es el que les permite ejercer el control sobre el resto de la comunidad. En la aldea cada movimiento debe ser comunicado al consejo, el cual posee la capacidad de juzgar si el mismo es bueno o malo.

Los mayores pretenden crear una sociedad regida por determinados valores morales que ellos califican como correctos, adecuados para crear una sociedad supuestamente perfecta, una sociedad homogénea con unicidad de pensamiento; y es esta unicidad la que suprime automáticamente la misma libertad. Se crea de esa forma un mundo ficticio donde las personas habitan en perpetua esclavitud, pero sin ser conscientes de ello; esto es, viven una falsa realidad impuesta por sus dominadores sin que puedan llegar a darse cuenta de la situación a la que están sometidos.

Encontramos en The Village una dura crítica hacia la imposición de valores por parte de un grupo dominante que somete a otros a la ignorancia para garantizar su control. Hablamos del que muchos llaman “fenómenos de los medios”, según el cual nuestra sociedad se encuentra parcialmente controlada por los medios de comunicación; por aquello que nos transmiten, por aquello que nos ocultan.

A pesar de que, en el caso de la película, los mayores parecen estar guiados según un sentimiento protector y paternalista, ¿justifica ese sentimiento la supresión de libertad? En nuestra opinión, los mayores, a pesar de sus intenciones, no tienen la potestad de privar de libertad al resto de la comunidad, no creemos justo que inhiban al resto de su poder de elección. La libertad es un derecho común a todos los seres humanos y su supresión supone una deshumanización y, por consiguiente, una mecanización.

El conocimiento de la verdad, la transmisión veraz entre los individuos nos permite adoptar actitudes de responsabilidad consciente, asumiendo los retos y dificultades que van surgiendo, pero sin vivir agazapados bajo sueños o ficciones que nos remiten a una niñez perpetua, a una vida tutelada y, por tanto, incompleta.


Publicado por monografias3 en 3/30/2012 No hay comentarios:
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viernes, 2 de diciembre de 2011

ENFRENTAMIENTO ENTRE GRUPO E INDIVIDUO

Título: La Ola (Die Welle)
Director: Dennis Gansel
Nacionalidad de producción: Alemania
Año de realización:2008

 


 "...¿cómo es posible que el pueblo alemán ignore la masacre del pueblo judío?..."

    Dennis Gansel emplea la cuestión anterior como impulsora de un filme caracterizado por un argumento provocador, crítico y polémico; estamos hablando de La Ola (Die Welle).

     La película nos presenta a un profesor de gimnasia de instituto que se ve obligado a impartir una clase de autocracia con la que pretende demostrar que es posible la imposición de una dictadura en cualquier sociedad, incluso en la era contémporanea. Para ello inicia un experimento que consiste en fomentar un sentimiento de unidad entre sus alumnos, alejándolos de los estudiantes de otras clases. Es este sentimiento el que origina una motivación entre los jóvenes, que fugazmente se ven arrastrados por "la ola".

     El presente filme, mas allá de la evidente crítica a los totalitarismos, nos expone los métodos empleados por los dictadores para alcanzar dichos régimenes autocráticos a partir de una supuesta legitimidad democrática inicial. La Ola nos muestra algunas de las estrategias, aparentemente inocentes y bondadosas, capaces de hipnotizar a sociedades enteras que respaldan a sus populistas líderes de un modo irracional. Resulta increíble lo sencillo que parece iniciar un movimiento autocrático dentro de nuestra sociedad, cómo nuestro sentido común se vuelve inútil ante el movimiento de "la masa".

      Los jóvenes del filme, aunque aparentemente "felices", experimentan tan diversas emociones como son la soledad, la incompresión, la confusión, la frustración,...; emociones que crean en los mismos la necesidad de formar parte de "algo", sin ser rechazados ni discriminados. El grupo aporta seguridad a la persona, lo arropa, le da fuerzas,... No obstante, al mismo tiempo, anula toda caracteristica individual para transformarla en grupal, ahora lo que importa es el colectivo. El grupo genera un marco en el que la existencia del individuo parece tener sentido al aportar respuestas, ideales,... Nos encontramos con el llamado "misterio Hitler": la capacidad de un individuo para mantener durante un perido de tiempo un discurso no muy complejo en esencia y conseguir el fanatismo elemental de millones de ciudadanos de una de las naciones más cultas del mundo.

      En mi opinión podemos extrapolar determinadas situaciones de la película a nuestra realidad actual, quizás despojándolas del carácter extremadamente radical con el que se nos presentan. En el mundo contemporáneo encontramos gobiernos que manipulan la opinión pública, mintiendo y falseando, con el claro objetivo de perpetuarse en el poder. La manipulación de la masa es un hecho innegable.


      Considero imprescindible recalcar que uno de los motivos principales que me han llevado a analizar este filme es que está basado en hechos reales: en otoño de 1967, Ron Jones, profesor de historia en California, comenzó un experimento al que bautizó como The Third Wave. El entusiasmo surgió entre sus alumnos, que llegaron a acosar a aquellos que no querían pertenecer al "grupo". Al quinto día Ron Jones, aterrorizado incluso por el cambio que estaba sufriendo en su personalidad, detuvo el movimiento.


 
Publicado por monografias3 en 12/02/2011 1 comentario:
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MARTIN PARR: CRÍTICA ATÓPICA

   "...Si le das al mundo historias tristes y deprimentes, nadie va a escucharte, o esa es la sensación que me da. Por eso, intento que mis fotos sean brillantes y coloridas y, con un poco de suerte, aceptablemente buenas. Porque quiero incluir a mi público en todo ello; no quiero cabrearlo, quiero atraerlo. Y, una vez interesado, podrá leer más cosas en las fotos. Lo que no espero es que mis fotos cambien nada. Eso es muy ingenuo. La gente solía hablar antes en esos términos, pero ya no...". Martin Parr.


  En el mundo contemporáneo todo artista busca impactar, atraer, empatizar,... esto es, buscar alguna reacción por parte del observador ante su obra: acción-reacción, así funciona. La mayor parte de estos artistas hacen uso de elementos dramáticos, intensos, escabrosos, duros,...; dejando de lado lo cotidiano, lo convencional, lo diario,... Los autores prefieren retratar en sus proyectos situaciones extremas de violencia, marginación social, caos, pobreza,... en vez de abordar cuestiones tradicionales.

   Son estos motivos lo que me llevan a fijarme en este fotógrafo, Martin Parr, cuya actitud me sorprende. Parr parece alejarse del pesimismo general que adoptan otros, para crear un arte, según el propio autor, brillante, colorido. No pretende cabrear, sino interesar. Por otro lado, resulta curioso y, a mi parecer, algo incoherente, el hecho de que afirme no buscar con su arte un cambio de actitud por parte del que observa, ya que ¿acaso no resulta imposible permanecer indiferente ante el arte? 

   El arte lleva intrínseca en su naturaleza la capacidad de alterar la actitud, el pensamiento, los sentimientos,... del que contempla. Las reacciones de los individuos pueden ser de muy diversas naturalezas, pero existen.

   Tras esta reflexión descubrimos a Martin Parr (Reino Unido, 1952), un fotógrafo británico reconocido internacionalmente debido a su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. 

   El presente artista esconde una obra irónica cuyo principal objetivo resulta efectuar una crítica acerca del estilo de vida de la clase media-alta. El sentido del humor constituye un elemento esencial en algunos de los trabajos del presente, que trata la decadencia de la vida diaria plasmando el aburrimiento, la banalidad o la falta de sentido de la existencia del hombre moderno. Hablamos, por ejemplo, de una serie de fotografías que reflejan el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora británica durante el gobierno de Margaret Tatcher.

    No podemos finalizar sin mencionar otro de sus trabajos, Luxury; del que el propio artista dijo "...Todo el mundo fotografía a los pobres, así que yo decidí que quería fotografiar a los ricos. Es algo que inspira poca confianza. Está claro que fotografiar una guerra da más prestigio, no hay discusión,pero seguir el rastro de la clase media o, ahora, de los nuevos ricos no despierta demasiado interés...". 

   En el mencionado proyecto, el artista decidió enfocar los más ostentosos detalles de aquel planeta anterior a la crisis económica actual mediante el retrato de lujosos escaparates repletos de obscenidad. Ahora, ante la crisis, poco queda ya de ese mundo consumista hasta el extremo que, a pesar de no haberse esfumado, deja de exhibirse de un modo tan banal como lo hacía; y esto es lo que verdaderamente resulta curioso: el hecho de que Parr plantease esta serie antes de la llegada de la crisis que actualmente inunda la economía. Llegamos a la conclusión de que dicho proyecto podría ser interpretado como un legado de aquello que fue pero ya no es, como un álbum recordatorio de aquella época de "general" bienestar económico a la que todos anhelamos regresar.

Publicado por monografias3 en 12/02/2011 1 comentario:
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"LAS TORTURAS DE ABU GHRAIB" FERNANDO BOTERO

FERNANDO BOTERO

"LAS TORTURAS DE ABU GHRAIB" (2004)




    Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Colombio). Considerado icono universal del panorama artístico, su extensa obra se caracteriza por un original estilo figurativo, denominado por algunos como "Boterismo", caracterizado por la interpretación que el autor efectúa de distintas realidades (el ser humano, los sentimientos, las pasiones,...) mediante una volumetría exagerada y desproporcionada, ligada a una concepción anatómica particular. Encontramos una obra plagada de crítica mordaz, ironía, humor, mensajes sutiles e ingenuidad.

    Desde sus inicios la obra de Botero ha recurrido a escenas costumbristas; no obstante, en la reciente, el artista ha abarcado temáticamente la situación política colombiana y mundial. Hablamos, en este caso, de la serie dedicada a "Abu Ghraib", cuadros que pretenden expresar los horrores de la tortura y de la guerra relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak y los sucesos de dicha prisión a partir de las declaraciones de las personas allí torturadas.

    Fernando Botero decide con esta serie criticar la inaceptable conducta del Gobierno de los Estados Unidos con el objetivo de despertar una conciencia política entre el público, acompañándola con declaraciones tales como la que sigue, "...decidí pintar esta serie por la ira que sentí y que sintió el mundo entero por este crimen cometido por el país que se presenta como modelo de compasión, de justicia y de civilización". Estas acusaciones despertaron la polémica mundial, ya que para algunos la obra de Botero representa el pretexto ideal para ejercer una crítica "sin sentido" contra Estados Unidos.

    Debe recordarse que Botero rechazó toda similitud entre lo sucedido en Abu Ghraib y la violencia vivida en Colombia, pues para él: “la violencia en Colombia casi siempre es producto de la ignorancia, la falta de educación y la injusticia social. Lo de Abu Ghraib es un crimen cometido por la más grande armada del mundo olvidando la Convención de Ginebra sobre el trato a los prisioneros".

    En la presente serie, Botero alude a la forma en que va despojándose a los prisioneros de la poca libertad que poseen. En la siguiente imagen observamos como un hombre, cuyo rostro aparece cubierto por una capucha, permanece con las manos atadas a la espalda. A pesar de ello, el personaje parece caminar en el espacio reducido de su celda. Nos encontramos una libertad prisionera.




Fernando Botero apela en su obra a la humillación, además de la tortura, que se ejercía en contra de algunos de los prisioneros. Ejemplo de ello es la pintura en la que se ve a un hombre de pie con los ojos cubiertos.  Este individuo está siendo sometido a un daño psicológico, además de físico, al ser vestido con unas prendas de mujer que ironizan su masculinidad. 




Es curioso que, a pesar de la evidente tortura que se manifiesta en las imágenes, apenas se alude o identifica a aquellos que la ejercen. Observamos en la siguiente obra a un hombre de espaldas, desnudo y maniatado. Del lado derecho surge un brazo en cuya mano sostiene un palo con el que azota al prisionero. 




Llegamos a la conclusión de que Botero con esta serie pretende llegar más allá de una simple denuncia, puesto que la misma constituye la oportunidad de criticar la imagen de un país que se presenta ante el mundo como ejemplo de democracia.
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martes, 29 de noviembre de 2011

LA SUPERFICIALIDAD SOCIAL. MARIEL CLAYTON

MARIEL CLAYTON

    “No es oro todo lo que reluce”

     Maryel Clayton (también conocida como Mariel Shannon) es una artista y fotógrafa canadiense de origen sudafricano.

     Entre los trabajos de la artista encontramos una serie que nos presenta a la clásica muñeca Barbie, un icono de superficialidad, como protagonista. El motor que mueve este trabajo es la aversión que siente la propia artista ante la cara más estereotipada y superficial de lo que es ser mujer: un personaje que únicamente piensa en su ropa, su aspecto, crear una familia tradicional,… Son estos ideales los que le empujan a rechazar la parte más frívola y convencional de una sociedad que la artista sostiene como capitalista, en la que Barbie constituye un mero icono.

     La artista desliga a la muñeca de su habitual imagen de mujer modélica, encantadora,… para mostrarnos ese lado más perverso que esa perfección impuesta por la sociedad es capaz de esconder.

    Suicida, necrófila, asesina,… así nos presenta esta artista a la muñeca Barbie con el objetivo de efectuar una crítica a una sociedad superficial en la que pretende demostrar que no es perfecto todo lo que parece.
Mariel Clayton nos enseña realidad escondida tras una inocente sonrisa. La artista sostiene que la imagen de Barbie, plástica y superficial, representa únicamente una fachada ante el público de una vida repleta de las más torcidas ideas.

     Me parece curioso el uso que la artista hace de Barbie para criticar una sociedad contemporánea en la que la superficialidad es un factor claramente existente. La apariencia es algo presente en el mundo actual, que nos rodea y envuelve hasta gobernar nuestras vidas. La sociedad nos vende una aparente felicidad y bienestar, pero en el fondo, esto no es más que un simulacro. La vida social se encuentra contaminada mientras nosotros nos limitamos a observar la aparente suntuosidad, engañándonos y creando una realidad ficticia en la que la imagen importa mucho más de lo que pensamos.
















Publicado por monografias3 en 11/29/2011 No hay comentarios:
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domingo, 20 de noviembre de 2011

"LA CONTAMINACIÓN EN CHINA". LU GUANG


“Creo que la fotografía documental necesita la expresión individual. En el proceso fotográfico, debes utilizar la luz para buscar un efecto expresivo y mantener un control estricto de la composición, la perspectiva, la sencillez de la imagen y la representación de las sombras. Trato de aplicar todos estos elementos para que mis fotografías lleguen realmente a los observadores y el mayor número de personas quede impresionado por lo que ven, para que la gente que pueda resolver estos problemas piense un poco más en resolverlos”.

Lu Guang (Primer premio del concurso sobre fotografía humanística para la Fundación Smith Memorial en Nueva York.)



               "LA CONTAMINACIÓN EN CHINA"

                “La inacción de la comunidad internacional para exigir una política medioambiental responsable es patente.” Lu Guang.

                Lu Guang, fotógrafo chino documentalista de importantes conflictos contemporáneos en su país, exhibe la presente colección, “La contaminación en China”, con el marcado propósito de crear una conciencia social, humanista, acerca de lo que allí ocurre.

                La fotografía es empleada como instrumento de denuncia ante una situación propiciada por aquellos que defienden un crecimiento industrial a cualquier costo. Hablamos de un país que, preocupado en exceso por su ascenso económico en el mercado internacional, ha sido incapaz de frenar los desastrosos efectos del mismo sobre la naturaleza. Nos encontramos con una actitud de abrumadora indiferencia ante el sufrimiento de miles de millones de personas expuestas, de manera continua, a dichos factores contaminantes.

                Lu Guang adopta una especial sensibilidad para capturar una serie de imágenes estremecedoras acerca de las condiciones medioambientales y sociales que rodean a los habitantes de una China, potencia sumida en la grave problemática de la polución y la superpoblación.

                Resulta importante darse cuenta de que Lu Guang no pretende sostener en ningún momento la suspensión de ese mercado industrial, sino la adecuación a las tecnologías de dicho proceso.

                Algunas de las imágenes de la serie se muestran a continuación.

1.       “En la unión de la provincia de Ningxia y la provincia autónoma de Mongolia, vi una chimenea alta escupiendo humo dorado y cubriendo el cielo azul. Largas franjas de praderas se han convertido en basureros industriales; un insoportable y desagradable olor hace toser a la gente local. El vertedero industrial cloacal de Surging corre directo al Río Amarillo…”. (Lu Guang)





2.       La planta de hierro y acero de Henan Anyang (河南安阳钢铁厂) vierte sus desechos al Río Anyang. Marzo 25, 2008.





3. El distrito industrial de Shizuishan en la provincia de Ningxia (宁夏石嘴山湖滨工业园区), donde las altas chimeneas fuman humo y cenizas. Los residentes tomaron medidas preventivas por la caída de ceniza del cielo cuando salen a la calle. Abril 22, 2006.





4. Provincia de Anhui, el Distrito Industrial Químico de Cihu (安徽省慈湖化工园区) construyó un caño subterráneo para descargar aguas servidas industriales sin tratar al Río Yangtze. Las aguas vertidas son, a veces, negras, grises, rojizas o amarrillas; dependiendo de cual planta química provenga, será el color del desecho. Junio 18, 2009.





5. Fan Jai Zhuang en la ciudad de Anyang, provincia de Henan, (河南安阳市范家庄) sólo una pared separa la villa de las plantas metalúrgicas. Los pobladores viven en este densamente contaminado ambiente donde se encuentran sometidos a la lluvia de hierro diaria. Marzo 24, 2008.


Publicado por monografias3 en 11/20/2011 1 comentario:
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