LA MIRADA SERENA

Esta pasada Semana Santa se inauguró una exposición sobre la fotografía de Steve McCurry organizada por una caja de ahorros en Tenerife. Aprovechando que estaba en casa no tardé en ir a visitarla. Hacía tiempo que no disfrutaba tanto de la obra de un único artista. Él además de regalarnos imágenes espectaculares, nos hace reflexionar sobre la situción de muchas personas y sociedades ajenas a la nuestra.

“Paso mucho tiempo observando el rostro de la gente y tengo la impresión de que todos ellos me cuentan una historia. Cuando un rostro lleva impresas las huellas de la experiencia de la vida, sé que la fotografía que voy a realizar representa mucho más que lo que veo en ese momento. Sé que allí hay una historia”

Una de las imágenes que me más me impactó fue la de una niña con un velo verde en Peshawar, Pakistán tomada en el 2002. Lo primero que me vino a la cabeza cuando la vi fue la fotografía de la chica afgana del 84 que lo consagró y de la que también se habla en este blog. Sin embargo, el retrato nada tiene que ver con el primero, pues para empezar, hablamos de personas distintas. La situación sin embargo es bastante semejante: Las dos niñas habían escapado de la guerra en el momento en que el fotógrafo capturó sendas instantáneas. Como se decía en la otra entrada, la expresión de terror en la mirada de la primera imagen resulta muy legible, el terror de una vida huyendo de condiciones precarias había hecho mella en la niña y la imagen da fe de ello. No obstante, y esto es lo más asombroso de todo, la niña de Peshawar transmite una paz a través de los ojos que la hace digna de admiración. Resulta sobrecogedor la fuerza mental que debe de tener para transmitir esa quietud, esa serenidad en unas circunstancias como la suya.

 

Esto me hizo pensar mucho, hasta que una de las clases de monografías convergió en un punto de dichos pensamientos. Habíamos estado hablando sobre las diferentes maneras de interpretar La Piedad. Otra vez estamos ante un hecho concreto: la muerte de un hijo. Por un lado los artistas españoles le asignaban a la Vírgen María un rostro de dolor, reacción muy humana, bastante lógica en la situación representada, y por otro, el arte italiano lo hacía de una manera que no se entendía tan bien: el rostro de la Madre que sujeta a su Hijo muerto sin mostrar señas de estar viviendo un calvario quedan traducidas a un profundo sentimiento de la religiosidad y a una plena confianza en Dios. Y ahí fue donde encontré la relación: Lo que la niña nos transmite es esa seguridad que experimentan los que tienen fe, y para afirmar esto no es necesario creer.

RODIN V.S. BRANCUSI

Una misma acción, una misma expresión gráfica: el beso a través de la escultura. El tema es bastante recurrente en el mundo del arte, sin embargo la manera de contarlo siempre resulta ser algo completamente personal.

Por una parte tenemos a Rodin, escultor francés contemporáneo de la corriente impresionista y quien descubrió en Miguel Angel el atractivo de lo inacabado y el abanico de posibilidades que brindaban los contrastes entre superficies pulidas y sin pulir en una misma obra o el abandono total de las formas pulidas. Este hallazgo lo asumió y explotó sin vacilar, pues aunque manejaba el barro con increíble facilidad, hasta el punto de poder ser considerado como el gran modelador de la historia de la escultura, apenas trabajó la piedra, delegando la labor de talla en sus ayudantes. Uno de ellos resultó ser (por el tiempo de un año) Constantin Brancusi, quien prefería crear sus esculturas con sus propias manos, estableciendo una conexión íntima con los materiales, en la mayoría de los casos a través de la talla directa.

Pudiera ser como respuesta al beso del maestro, la escultura que elaborará Brancusi tratando el mismo contenido. De su obra se ha dicho “El beso es un ejemplo de talla directa y del profundo conocimiento que tenía el artista de las propiedades de los materiales con los que trabajaba^”. Ninguna de sus versiones se basó en un modelo preparatorio, sino que respondían a la naturaleza intrínseca del material en el que fueron talladas. El escultor era capaz de conseguir la unidad tallando esculturas en bloques macizos y lograr la unidad a partir de elementos muy dispares.

La preferencia de una u otra obra tiene es, como no, algo completamente personal. Las dos son igual de válidas, simplemente a cada uno le transmitirán sensaciones muy distintas. Desde pequeña guardé en mi retina la obra de Rodin, no la llegaba a entender del todo, sin embargo, me parecía muy perfecta y le guardaba gran admiración. No lo recuerdo, pero probablemente no hubiera visto entonces El beso de Brancusi, aunque de haberlo contemplado a esa edad, me hubiera parecido más bien una escultura de niños que cualquiera podría reproducir con plastilina. Tras estos años de carrera y con el impulso de la asignatura de monografías, he experimentado el alivio de dejarme llevar por el arte, disfrutarlo, escuchar qué es lo que me dice una obra sin limitarme a ejecutar un exhaustivo y frío análisis. Si algo gusta, ha de tener una razón aunque no comprendamos porqué en ese momento. Y ¿qué más da si la obra de Rodin es muy compleja y sin embargo muchos pudieran reproducir algo parecido a El beso de Brancusi? El artista ha sido capaz de crear una forma que soy capaz de identificar y que me emite el mensaje de forma directa. Con su trabajo no ha necesitado servirse de una una imagen tan evidente, disfruto de él y conforme más lo observo más cosas me dice.

EL PODER DE LA FOTOGRAFÍA

Nos trasladamos a 1880, Chicago. El flujo de inmigrantes escapando de condiciones difíciles en busca de una oportunidad procuce vértigo. Las abrumadoras cantidades de nueva población que va llegando hacen que se genere un problema de espacio y por consiguiente, un problema urbano.

Las viviendas se encuentran en precarias condiciones de insalubridad y las basuras invaden las calles, el sistema de tránsito resulta bastante poco adecuado si exigimos unas condiciones mínimamente humanas. Para colmo, el agua no es potable y la cólera y la fiebre tifoidea son unas constantes. Por su parte, el delito aumenta conforme lo hace la población. Como acompañante de todos estos fenómenos la gente está en el paro, los niños explotados y las viviendas sobreocupadas.

Jacob August Riis, un reportero policial que tiempo atrás había vivido en unas condiciones semejantes comienza a escribir sobre la situación. Muchos le acusan de exagerar en sus escritos y entonces decide salir con la cámara. Será una pieza clave en el inicio del fotoperiodismo, revelando esta injusticia social a través del novedoso artilugio.

Riis será considerado un pionero en este estilo de contar noticias haciendo una crítica por medio del arte, pues sus fotografías cuentan asimismo con un apreciable gusto estético. Además de todo esto es de los primeros en utilizar el flash y por ello es por lo que también se le considera uno de los importantes de la fotografía.

El resultado de su búsqueda se materializa en un fotodocumental con la intención de llamar la atención de los aucaudalados como única fuente de solución al problema, en lugar de buscar la atención del gobierno, pues sabe que estos últimos, lejos de no hacerle caso, le harán la tarea más difícil. De este modo pretenderá sensibilizar al sector privado de manera que se pueda llegar a una inversión por parte de éste y así poder construir infraestructuras con préstamos suficientes para lograr que los habitantes de los tuburbiales vivan de una manera digna.

“Una imagen vale más que mil palabras” y la reacción de la gente al ver estás fotografías lo confirma, pues tras pasar unos años de la publicación, las reformas llegarán a convertirse en el primer tema pendiente de actividades del gobierno.

Así es como la fotografía se transforma en un poderoso medio para cambiar situaciones difíciles.

EL ESTILO IMPERIO

Los pintores fueron, durante mucho tiempo, la fuente más fiable para conocer las modas de la época. En este caso, David fue el que con más divulgación llegó a representar el estilo imperio, que actualmente en ocasiones salpica la pasarela en su versión más sofisticada.

Quizás haya sido éste uno de los primeros estilos retro, es decir, proyectado tras una inspiración en el pasado. La llegada del estilo imperio rompió con una estética del exceso y del rococó, presentando la máxima sencillez. Sin embargo, esta vuelta al pasado no tenía por qué ser literal. De hecho se actualizaron elementos de los que no se hubiera podido disponer en la Antigua Grecia como las costuras, la seda o la variedad de colores. En esta vuelta al pasado se incluyeron sombreros con cintas de seda y flores artificiales.

Ahora, si diez años antes de producirse este giro en el mundo de la moda lo que se llevaba eran pomposos vestidos con pliegues, volantes y crinolinas para dar volumen, así como pelucas blancas, el exceso de maquillaje ¿cómo se llegó a un estilo tan distinto? Pues bien, como en casitodos los casos ocurre, los hechos históricos fueron los principales causantes del cambio.

En 1973, tras la ejecución de María Antonieta, apareció la etapa de El Terror en Francia, en la que se producieron miles de ejecuciones y que acabó con el guillotinamiento del propio Robespierre.

Tras esta etapa, Napoleón comenzó a tener más dominio sobre el el país y acabó con el Directorio proclamándose emperador pocos años después.

El resulatado de tanta inestabilidad política fue el fin de los estilos recargados de la época. A cambio llegó este gusto por lo neoclásico manifestándose en varios campos (arquitectura, decoración, ropa...), pues los franceses se sentían como los antiguos griegos, y eso trajo consigo el deseo de usar una indumentaria sencilla.


Como todo cambio, no fue un éxito absoluto. A la gente que se sentía cómoda con el antiguo estilo no le hizo mucha gracia que la moda se modificara de esa manera, y sin embargo no les quedó otra que unirse al cambio, pues estaba la amenaza de la guillotina, y el aparentar demasiado “noble” podía ser traducido como simpatizante de la realeza y por tanto oponente de la nueva Francia.

Por otro lado. En cuanto a la ropa masculina, se olvidó del exceso de adorno y se miliarizó, quedándose la sobriedad como su protagonista hasta la actualidad.

Pero, como muchas cosas en esta vida, así de rápido como vino, también se marchó. Tras pasar veinte años del inicio de este estilo, éste se perdió siendo para algunos una vergüenza que preferían no recordar.

A pesar de esto, volvió a estar de moda en la primera década del siglo XX ( pero tan sólo manteniendo la esencia, pues fue conjugado con los incómodos corsés de esa época), a finales de los sesenta y a mediados de los noventa, y cómo no, a partir del 2000, años en los que más que nombrar qué se lleva, podríamos acabar antes mencionando lo que no se lleva, pues salvo llamativas excepciones, podríamos decir que todo vale, y muestra de ello son algunas de las pasadas colecciones de Dior o Dolce & Gabbana así como la seña de identidad de algunos grandes de la moda como Elie Saab o Calvin Klein.

MAFALDA Y LA CRÍTICA SOCIAL

Resulta muy original hacer una seria crítica al mundo en que vivimos desde los cómics, sobretodo cuando la protagonista de las tiras es una niña. Pero como suele pasar, a veces los niños tienen una visión más fresca y clara de lo que sucede. Mientras tanto, los mayores, de una manera un tanto egoísta con el resto de la humanidad, se preocupan más por sus problemas personales y se cruzan de brazos esperando a que el mundo se solucione él solito o se conforman con lo que hay procurando vivir de la mejor forma posible en un mundo que en ciertos aspectos va hacia abajo.

Mafalda, el personaje fundamental de estas historietas, se caracteriza por ser una precoz inconformista del mundo que le ha tocado vivir y preocupada por la paz de nuestra humanidad. Representa la aspiración idealista y utópica de construir un mundo mejor.

El cómic resulta ser una completa bomba de reflexión sobre temas fundamentales de la vida, desde el aspecto más filosófico al más polítco. Asimismo habrá hecho que más de uno ría a carcajadas con algunas de sus ocurrencias, lo que endulza un poco el exceso de pesimismo que guardan muchas de las historietas.

No obstante, le faltan respuestas a tanta queja, pues en ningún momento, Quino, el autor, propone a través de la niña o de otro de sus personajes nada que pueda servirnos para cambiar todo eso que le desagrada.

V DE VENDETTA Y LA NECESIDAD DE UN CAMBIO POLÍTICO

La película que recibe este nombre fue producida en el 2006 y basada en la novela gráfica formada por una serie de diez cómics escritos por Alan Moore e ilustrados en su mayor parte por David Lloyd, quien también llevó a cabo las tareas de apoyo en el concepto y el guión de la película de la que se está tratando. Es necesario recalcar que el objeto de este escrito se centra en el filme y no en la versión original, puesto que la primera no es exactamente fiel a la segunda.

La historia tiene lugar una Gran Bretaña totalitaria, dirigida por un tirano, en un futuro no muy lejano. Una tarde, tras el toque de queda nocturno, una joven de nombre Evey es rescatada en plena calle por un misterioso enmascarado cuyo nombre es V. El intrigante personaje aprovecha para mostrar a Evey sus planes futuros para intentar enmendar la situación de falta de libertad. A partir de ese momento, la aparición y las acciones de V irán encaminadas a despertar una revolución en todo el país contra el gobierno fascista.

Si uno presta un poco de atención se dará cuenta de que V, el personaje principal, tiene una marcada inclinación anarquista aunque esto no se exprese de manera explícita en ningún momento de la película. La situación personal de este hombre, a quien habían utilizado como a muchísimas otras personas como conejillo de indias para unos experimentos secretos organizados por el estado, fue la que le hace revelarse ante el sistema político de su país, lo cual resulta bien lógico. Incluso podemos llegar a admitir cierta parte de la venganza que sentía hacia los que le habían hecho tanto daño. No obstante, se debería reflexionar un poco sobre el modo que tiene este hombre de querer solucionar el problema. Siempre se ha dicho que el fin no justifica los medios, y si realmente queremos que un sistema político funcione de manera coherente, pacífica y democrática, deberíamos atender a esta máxima. Este es el gran error del protagonista, al que parece ser que se aprueba como un héroe. Un héroe que utiliza la violencia para poner fin a un régimen fascista. Esto resulta un tanto desconcertante y contradictorio. Sin embargo, en la historia se han dado casos semejantes. En mayo de este mismo año, en cincuenta y ocho ciudades españolas, numerosos grupos de personas salieron a la calle pidiendo cambios profundos en el sistema democrático y económico. Como suele pasar, el tema degeneró y todo el que no tenía nada mejor que hacer se unía al mogollón pidiendo en el mejor de los casos lo que nunca se habían preocupado por buscar, otros ni siquiera sabían por qué se quejaban, de tal modo que las plazas españolas más significativas de cada provincia quedaron permanentemente ocupadas hasta por lo menos dos meses más tarde por personas, que parecía que estaban en una concentración de botellón más que en lo que en un principio se suponía que era una protesta para expresar una disconformidad con el sistema político. Este tema viene a colación no sólo por el hecho de que los manifestantes mostraban ciertas semejanzas a la incomodidad que V sentía hacia los métodos de gobierno que se daban en su estado, sino porque precisamente muchos de estos componentes de la marcha española hicieron uso de la máscara que configuraba el aspecto físico del personaje principal. ¿Eran conscientes de lo que esto significaba, o ni siquiera se habían parado a reflexionar sobre qué representaba ese símbolo?

Es necesario documentarse y conocer el sentido de lo que hacemos, defendemos y manifestamos, de lo contrario, generaremos una sociedad que no sabe a dónde va, a la que no le gusta lo que tiene, pero que tampoco hace el esfuerzo de proponer soluciones. Y lo más importante al margen de cualquier clase de política o inclinaciones religiosas, debería ser actuar de manera consecuente respecto a los derechos humanos, que reniegan de manera integral la violencia entre seres humanos sea por la causa que sea.

EL PODER DE LA MIRADA

En junio de 1984 Steve McCurry fotografiaba a Sharbat Gula de doce años en el campamento de refugiados Nasir Bagh de Pakistán durante la guerra contra la invasión soviética.

Un año más tarde, la imagen daba la vuelta al mundo desde las portadas de la revista National Geographic. No es de extrañar el gran éxito del retrato, pues lo que esos ojos verdes reflejaba a nadie indiferente, algo que no pasa desapercibido ante nosotros. Tan sólo un cuarto de hora le valió al fotógrafo para ganarse la confianza de la pequeña, pues como él mismo dice "Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz". Y lo que la niña nos transmitía con esa mirada era vivacidad, frescura, inquietud, cierto miedo, manifestándose asimismo el dolor que debió haber sufrido durante los pocos años que tenía. Pero no quedó la cosa ahí, la protagonista de la portada más famosa de la historia no fue olvidada y el fotógrafo inició una búsqueda que duró catorce años. Al fin apareció, con treinta años, casada madre de tres hijos... y con otra mirada. Si la primera fue impactante, el contraste entre las dos lo fue aún más. ¿Qué le habían pasado a aquellos ojos inquietos? Una vez más la situación de los países árabes se veía manifestada de una manera en la que nadie nunca lo había hecho, a través de los ojos. El sufrimiento por la guerra, unas durísimas condiciones de vida, el haber perdido a uno de sus hijos, el no haber podido salir de la miseria...unido a la poca consideración que se le tiene a las mujeres en esas regiones han sido algunas de las razones de este cambio tan brutal en su mirada. Una vez llegamos a este punto, tras haber reparado un poco en la situación, se presenta el momento de la manera con que nos enfrentamos al problema del oriente medio. Muchos se quedan con la historia como si fuera una simple anécdota, algo que pasa y punto. Otros piensan más allá, ¿pero qué se puede hacer por ellos? Desde luego que si no pensamos nada nunca se les podrá ayudar de ninguna manera. Poco después de la segunda fotografía, la sociedad que publica la revista creó en su honor una organización caritativa llamada Afghan Girls Fund, que ayudaba al desarrollo y creación de oportunidades educativas para las niñas y mujeres afganas. En 2008, este proyecto creció para ayudar también a niños y pasó a llamarse Afghan Children's Fund. Y es ahí donde se comienza, no obstante,no es suficiente, pues sigue siendo un tema que los países más favorecidos tenemos pendiente. Quizás es hora de seguir repensando.

LA FOTOGRAFÍA DE OLIVIERO TOSCANI, LA PUBLICIDAD DE DOVE Y EL CUERPO

En la lista de éste fotógrafo italiano mundialmente conocido por sus polémicas fotografías y que saltó a la fama a través de la campaña publicitaria que creó para la empresa de moda Benetton no podía faltar lugar para la anorexia, y es en el 2007 cuando una imagen da la vuelta a nuestro planeta ante los horrorizados ojos de sus habitantes. Se trataba de una fotografía del cuerpo desnudo de Isabelle Caro, modelo y actriz francesa que padecía de un agudo trastorno alimentario, la que falleció hace poco más de un año. El anuncio fue patrocinado por la marca de ropa italiana Nol-i-ta y apoyado por el Ministerio de Sanidad.

La publicidad muestra a la mujer junto al lema “No anorexia”. El objetivo es “utilizar el cuerpo desnudo para mostrar a la gente la realidad de esta enfermedad, causada en la mayoría de los casos por estereotipos impuestos por el mundo de la moda”, explica el fotógrafo en un comunicado del grupo Flash&Partners, propietario de No-l-ita.

Y es que la moda y los medios a veces nos hace creer que para estar bien con nosotras mismas debemos parecernos a esas mujeres “ideales” de medidas perfectas.

Parece que la fotografía nos grita, nos alerta de que si nos obsesionamos con nuestro aspecto podríamos llegar a caer en la terrible enfermedad de la anorexia. Debemos respetarnos como somos, mejorarnos todo lo que admita nuestro cuerpo, pues cada persona tiene una anatomía distinta, no pretendamos ser como otros de diferente constitución.

La campaña publicitaria de la marca de productos Dove procura transmitir el mismo mensaje desde la otra imagen, la imagen de las mujeres bellas que no cumplen el patrón de ese supuesto cuerpo ideal al que muchas aspiran sin darse cuenta de que ellas son únicas y más especiales dentro de su autenticidad que queriendo imitar a otras.