Roadsworth, cruzando el limite

Peter Gibson, conocido comunmente por Roadsworth, comenzó por hacer mención en los espacios urbanos de un modo un tanto peculiar buscando un fin. Quería con su obra conseguir más carril-bici en su ciudad, Montreal Los empezó a crear, y esto derivó en su deseo de querer cambiar las huellas viales como por ejemplo una cremallera abierta que marca la desviación de dos carriles, un paseo con farolas en un paso de cebra.

Dos años más tarde de sus comienzos como artista urbano, fue pillado in fraganti y arrestado, pero gracias al apoyo de la gente y la comunicación su multa fue fuertemente reducida  y se resumió en una pequeña cantidad de dinero y 40 horas de servicio a la comunidad.

Pero, ¿es cierto que Peter Gibson cruzó el límite?

Hasta ahora habíamos visto artistas que muestran en sus obras su resignación con la sociedad o con el sistema político del momento pero no que con un graffiti cambiara el modo de vida, el modo de circulación, querer marcar esa separación de peatón-ciclista, marcar por donde debe ir el trasporte...

No creo q este sea motivo para ir a la cárcel (estoy segura que en el fondo los policías que lo arrestaron algo de admiración sentirían, o les parecerá original, pero es su obligación y han de cumplir con la ley)

Es una buena manera de expresar un cambio en la ciudad pero, ¿qué pasaría si todo el mundo saliese a la calle a expresar lo que siente o todo aquello que le molesta y quiere cambiar?

Y yo me pregunto… ¿Qué hubiera pasado si a Picasso le hubieran prohibido pintar en un lienzo?

 Extrapolemos esa pregunta al contexto de la entrada, ¿que hubiera pasado si banksy, peter Gibson o muchos otros, hubieran cumplido las leyes y no hubiesen salido a la calle a representar su obra?

Woody Allen; crítico social

(comienzo de la película Match point)

Las películas de Woody Allen reflejan un carácter autobiográfico, por tanto es fácil conocerle como persona mediante sus obras. Conocemos sus opiniones frente al psicoanálisis (por ejemplo), frente a las relaciones sociales, a la ciencia, a la religión, a la fantasía, a la seducción, el amor o la historia. Esto se ejemplifica en películas completas que tratan sobre dado tema o en ocasiones se refleja en algunas secuencias, escenas o a veces incluso en alguna simple frase o gesto.

He intentado investigar lo que Allen tiene que decir en el terreno de lo social, quizás no de manera tan clara como otros temas, pero siempre presente en sus filmes. En sus películas aparecen ciertas características políticas o sociales presuponen sus perspectivas.

Una de las críticas recurrentes que realiza Woody Allen es sobre la clase social alta. Quizás es porque él se crio en una familia modesta que prefiere la sencillez de la clase media. Pero Woddy Allen ha demostrado esta postura tanto en sus largometrajes como en su vida personal, y un ejemplo de ello sería las pocas veces que ha asistido a la entrega de los premios Oscar, ni aun cuando era él el nominado al premio, y más marcada fue su ausencia cuando se decretó su victoria. Woody se defendió diciendo que tenía ensayo con su banda de jazz ese mismo día y por eso no pudo ir.

De una manera más fuerte y cruda pone en descubierto esta postura en “Match point” donde aparecen dos personajes en situaciones parecidas (tienen una relación formal con una mujer, pero después embarazan a una amante y tienen que decidir qué hacer frente a tal problema), con la diferencia de que uno no tiene nada que perder al abandonar la relación formal pues es parte de una familia adinerada de Inglaterra; sin embargo el otro personaje depende de su relación formal para vivir desahogadamente en lo económico, hacerse de un lugar en una familia con poder y hacer algo de su vida que se había detenido por no poder continuar su profesión anterior. Posteriormente la película da un giro radical pero se alcanza a percibir que el personaje instalado en una buena situación económica pudo actuar con “impunidad”.



El interés de esta entrada radica en que la industria del cine tiene mucho poder, y me refiero no solo al económico, sino al de las posibilidades que tiene llegar a todas las partes del mundo, de exhibir la producción; por ello es, en mi opinión, que ha estado “pseudocensurada”, y ciertas críticas frente a algunos puntos de debate social, o expresión de algunos valores, o lo que sea, han estado más difuminados, que en otras ramas artísticas. Sin embargo el cine independiente, que surge como una forma de liberarse de la industria poderosa, ha sido un buen medio para aquellos artistas que sentían la necesidad de provocar. Sin embargo, la desigualdad de posibilidades de distribución hace que prácticamente no se recuerden títulos del cine independiente.

Igual esta película no es la mejor para ejemplificar una crítica social severa, y que remueva conciencias… pero creo que Woddy Allen es una personalidad independiente, que no ha abandonado sus ideales a la postre de hacer cine por divertir, sino que quiere mostrar una opinión, que evoluciona, como su vida y la sociedad en la que vive, y como lo hacen también sus obras.



Algunas frases de la película:

"Ella creía lo que quería creer"

"Nosotros (departamento de investigación de asesinatos) no hacemos juicios morales, sólo hacemos investigaciones criminales"

"No conoces a tus vecinos hasta que hay una crisis"

"Aprendes a esconder la conciencia sobre la alfombra, y seguir"

"Los inocentes son sacrificados para dar paso a un orden mayor"

"Me da igual que sea fabuloso (referencia a un bebé), sólo espero que tenga suerte"

MAFALDA Y LA CRÍTICA SOCIAL

Resulta muy original hacer una seria crítica al mundo en que vivimos desde los cómics, sobretodo cuando la protagonista de las tiras es una niña. Pero como suele pasar, a veces los niños tienen una visión más fresca y clara de lo que sucede. Mientras tanto, los mayores, de una manera un tanto egoísta con el resto de la humanidad, se preocupan más por sus problemas personales y se cruzan de brazos esperando a que el mundo se solucione él solito o se conforman con lo que hay procurando vivir de la mejor forma posible en un mundo que en ciertos aspectos va hacia abajo.

Mafalda, el personaje fundamental de estas historietas, se caracteriza por ser una precoz inconformista del mundo que le ha tocado vivir y preocupada por la paz de nuestra humanidad. Representa la aspiración idealista y utópica de construir un mundo mejor.

El cómic resulta ser una completa bomba de reflexión sobre temas fundamentales de la vida, desde el aspecto más filosófico al más polítco. Asimismo habrá hecho que más de uno ría a carcajadas con algunas de sus ocurrencias, lo que endulza un poco el exceso de pesimismo que guardan muchas de las historietas.

No obstante, le faltan respuestas a tanta queja, pues en ningún momento, Quino, el autor, propone a través de la niña o de otro de sus personajes nada que pueda servirnos para cambiar todo eso que le desagrada.

Rock Against Bush

American Idiot es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense de punk rock Green Day, que fue lanzado el 21 de septiembre de 2004 por Warner Bros Records.

La intención de este trabajo es la de ser una ópera punk rock, inspirado en Quadrophenia de The Who, entre otros. La mayoría de las canciones son una clara crítica a la administración de George Bush y la guerra de Irak en particular, y la sociedad estadounidense contemporanéa en general.

Desde su lanzamiento, American Idiot ha vendido más de 15 000 000 millones de copias en todo el mundo y más de 6 000 000 millones de copias sólo en Estados Unidos. El álbum ganó numerosos premios incluyendo un Grammy al Mejor Álbum de Rock.

Este grupo de punk rock critica abiertamente la reelección de Bush como presidente del gobierno de Estados Unidos, pero no son los únicos; ya que el mundo del punk rock se movilizó para crear una recopilación musical denominada "Rock against Bush" que es parte del proyecto "Punk Voter". A raíz de esto, se organizó una gira por todos los Estados Unidos en la cual participarían grupos como Sum 41, Mudhoney, Pennywise, Green Day, Good Charlotte, etc. entre muchos otros. Este movimiento fue inspirado principalemente por la idea de crear un sentimiento anti-guerra y pro-paz.

Los primeros conciertos se realizaron en aquellos estados en los cuales George Bush tenía más seguidores, siguiendo después la gira por todo el país. Esta gira nos recuerda a al éxito que obtuvo la gira "Rock against racism" de los británicos The Clash a finales de los 70.

"Odio la obra de arte. El arte no está en las estatuas,
está fuera, en otro sitio."
Jorge Oteiza

He elegido esta cita para introducir a Christo Javacheff, artista hacedor de esculturas integradas en el paisaje, cuyas obras de arte se escapan de lo cotidiano. Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno.

Christo Javacheff nació en Bulgaria, y estudió durante cuatro años en la Academia de Bellas Artes de Sofía. La idea de intervenir sobre el paisaje con ese afán de envoltura, procede de uno de los ejercicios que hizo cuando todavía era estudiante de arte: los estudiantes eran enviados a las líneas ferroviarias para embellecerlas a modo de decorado para recibir visitas de altas personalidades. Sus primeras obras eran “empaquetages” en los que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico.

Christo combina los avances técnicos del siglo XX y la era industrial con inquietudes de la era postindustrial como la búsqueda de la belleza y el retorno a la naturaleza, dotando de originalidad a sus obras.
Una obra de Christo forma parte del mundo, y al mismo tiempo, está separada de él. Su arte en cuanto a proyecto utiliza tecnología a avanzada, y es ecológico. En parte es una de las ideas que Christo denuncia; el abuso que la sociedad actual acomete sobre la naturaleza, por ello, él trata de preservarla en todas sus obras, envolviéndola como si necesitara una capa protectora.

Además, la gran escala de sus obras tiene el mismo mensaje, ya no es sólo que el espectador pueda contemplar dicha obra desde infinitos puntos de vista, a cualquier hora del día, sino el peso o la repercusión que quiere que tengan dentro de la sociedad, como el legado de unas ideas de fragilidad del planeta Tierra y que está en nuestras manos preservar. Sus obras requieren años de trabajo, de negociaciones para conseguir permisos, para resolver problemas, para organizar el montaje etc. y después resultan ser unas obras efímeras, de una duración de dos semanas. Esto hace que la obra, y su mensaje, subsista en las mentes de todos. Christo nos recuerda que el medio es el mensaje

Christo realiza tres cosas a la vez: crea obras de asombrosa belleza; lo que crea es arte, artificial, construido, salido de las manos del hombre y realizadas el mundo real; y, por ultimo, modifican nuestra manera de ver las cosas.


Aquí dejo algunas de sus obras:

Wrapped Coast (costa de Little Bay en Sidney)

Umbrellas (Sombrillas azules instaladas en Ibaraki, Japón.)

Running Fence (una cerca cubierta por un velo, que se extendía por el paisaje hasta el mar)

Surrounded Islands (rodea once islas en la Bahía Vizcaina de Miami)

Verhüllte Bäume (178 árboles envueltos en el Parque Berower, al noroeste de Basilea, Suiza)

ENFRENTAMIENTO ENTRE GRUPO E INDIVIDUO

Título: La Ola (Die Welle)
Director: Dennis Gansel
Nacionalidad de producción: Alemania
Año de realización:2008

 

 "...¿cómo es posible que el pueblo alemán ignore la masacre del pueblo judío?..."

    Dennis Gansel emplea la cuestión anterior como impulsora de un filme caracterizado por un argumento provocador, crítico y polémico; estamos hablando de La Ola (Die Welle).

     La película nos presenta a un profesor de gimnasia de instituto que se ve obligado a impartir una clase de autocracia con la que pretende demostrar que es posible la imposición de una dictadura en cualquier sociedad, incluso en la era contémporanea. Para ello inicia un experimento que consiste en fomentar un sentimiento de unidad entre sus alumnos, alejándolos de los estudiantes de otras clases. Es este sentimiento el que origina una motivación entre los jóvenes, que fugazmente se ven arrastrados por "la ola".

     El presente filme, mas allá de la evidente crítica a los totalitarismos, nos expone los métodos empleados por los dictadores para alcanzar dichos régimenes autocráticos a partir de una supuesta legitimidad democrática inicial. La Ola nos muestra algunas de las estrategias, aparentemente inocentes y bondadosas, capaces de hipnotizar a sociedades enteras que respaldan a sus populistas líderes de un modo irracional. Resulta increíble lo sencillo que parece iniciar un movimiento autocrático dentro de nuestra sociedad, cómo nuestro sentido común se vuelve inútil ante el movimiento de "la masa".

      Los jóvenes del filme, aunque aparentemente "felices", experimentan tan diversas emociones como son la soledad, la incompresión, la confusión, la frustración,...; emociones que crean en los mismos la necesidad de formar parte de "algo", sin ser rechazados ni discriminados. El grupo aporta seguridad a la persona, lo arropa, le da fuerzas,... No obstante, al mismo tiempo, anula toda caracteristica individual para transformarla en grupal, ahora lo que importa es el colectivo. El grupo genera un marco en el que la existencia del individuo parece tener sentido al aportar respuestas, ideales,... Nos encontramos con el llamado "misterio Hitler": la capacidad de un individuo para mantener durante un perido de tiempo un discurso no muy complejo en esencia y conseguir el fanatismo elemental de millones de ciudadanos de una de las naciones más cultas del mundo.

      En mi opinión podemos extrapolar determinadas situaciones de la película a nuestra realidad actual, quizás despojándolas del carácter extremadamente radical con el que se nos presentan. En el mundo contemporáneo encontramos gobiernos que manipulan la opinión pública, mintiendo y falseando, con el claro objetivo de perpetuarse en el poder. La manipulación de la masa es un hecho innegable.

      Considero imprescindible recalcar que uno de los motivos principales que me han llevado a analizar este filme es que está basado en hechos reales: en otoño de 1967, Ron Jones, profesor de historia en California, comenzó un experimento al que bautizó como The Third Wave. El entusiasmo surgió entre sus alumnos, que llegaron a acosar a aquellos que no querían pertenecer al "grupo". Al quinto día Ron Jones, aterrorizado incluso por el cambio que estaba sufriendo en su personalidad, detuvo el movimiento.

 

MARTIN PARR: CRÍTICA ATÓPICA

   "...Si le das al mundo historias tristes y deprimentes, nadie va a escucharte, o esa es la sensación que me da. Por eso, intento que mis fotos sean brillantes y coloridas y, con un poco de suerte, aceptablemente buenas. Porque quiero incluir a mi público en todo ello; no quiero cabrearlo, quiero atraerlo. Y, una vez interesado, podrá leer más cosas en las fotos. Lo que no espero es que mis fotos cambien nada. Eso es muy ingenuo. La gente solía hablar antes en esos términos, pero ya no...". Martin Parr.

  En el mundo contemporáneo todo artista busca impactar, atraer, empatizar,... esto es, buscar alguna reacción por parte del observador ante su obra: acción-reacción, así funciona. La mayor parte de estos artistas hacen uso de elementos dramáticos, intensos, escabrosos, duros,...; dejando de lado lo cotidiano, lo convencional, lo diario,... Los autores prefieren retratar en sus proyectos situaciones extremas de violencia, marginación social, caos, pobreza,... en vez de abordar cuestiones tradicionales.

   Son estos motivos lo que me llevan a fijarme en este fotógrafo, Martin Parr, cuya actitud me sorprende. Parr parece alejarse del pesimismo general que adoptan otros, para crear un arte, según el propio autor, brillante, colorido. No pretende cabrear, sino interesar. Por otro lado, resulta curioso y, a mi parecer, algo incoherente, el hecho de que afirme no buscar con su arte un cambio de actitud por parte del que observa, ya que ¿acaso no resulta imposible permanecer indiferente ante el arte? 

   El arte lleva intrínseca en su naturaleza la capacidad de alterar la actitud, el pensamiento, los sentimientos,... del que contempla. Las reacciones de los individuos pueden ser de muy diversas naturalezas, pero existen.

   Tras esta reflexión descubrimos a Martin Parr (Reino Unido, 1952), un fotógrafo británico reconocido internacionalmente debido a su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. 

   El presente artista esconde una obra irónica cuyo principal objetivo resulta efectuar una crítica acerca del estilo de vida de la clase media-alta. El sentido del humor constituye un elemento esencial en algunos de los trabajos del presente, que trata la decadencia de la vida diaria plasmando el aburrimiento, la banalidad o la falta de sentido de la existencia del hombre moderno. Hablamos, por ejemplo, de una serie de fotografías que reflejan el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora británica durante el gobierno de Margaret Tatcher.

    No podemos finalizar sin mencionar otro de sus trabajos, Luxury; del que el propio artista dijo "...Todo el mundo fotografía a los pobres, así que yo decidí que quería fotografiar a los ricos. Es algo que inspira poca confianza. Está claro que fotografiar una guerra da más prestigio, no hay discusión,pero seguir el rastro de la clase media o, ahora, de los nuevos ricos no despierta demasiado interés...". 

   En el mencionado proyecto, el artista decidió enfocar los más ostentosos detalles de aquel planeta anterior a la crisis económica actual mediante el retrato de lujosos escaparates repletos de obscenidad. Ahora, ante la crisis, poco queda ya de ese mundo consumista hasta el extremo que, a pesar de no haberse esfumado, deja de exhibirse de un modo tan banal como lo hacía; y esto es lo que verdaderamente resulta curioso: el hecho de que Parr plantease esta serie antes de la llegada de la crisis que actualmente inunda la economía. Llegamos a la conclusión de que dicho proyecto podría ser interpretado como un legado de aquello que fue pero ya no es, como un álbum recordatorio de aquella época de "general" bienestar económico a la que todos anhelamos regresar.