criticARTE

lunes, 5 de diciembre de 2011

Roadsworth, cruzando el limite


Peter Gibson, conocido comunmente por Roadsworth, comenzó por hacer mención en los espacios urbanos de un modo un tanto peculiar buscando un fin. Quería con su obra conseguir más carril-bici en su ciudad, Montreal Los empezó a crear, y esto derivó en su deseo de querer cambiar las huellas viales como por ejemplo una cremallera abierta que marca la desviación de dos carriles, un paseo con farolas en un paso de cebra.
Dos años más tarde de sus comienzos como artista urbano, fue pillado in fraganti y arrestado, pero gracias al apoyo de la gente y la comunicación su multa fue fuertemente reducida  y se resumió en una pequeña cantidad de dinero y 40 horas de servicio a la comunidad.
Pero, ¿es cierto que Peter Gibson cruzó el límite?
Hasta ahora habíamos visto artistas que muestran en sus obras su resignación con la sociedad o con el sistema político del momento pero no que con un graffiti cambiara el modo de vida, el modo de circulación, querer marcar esa separación de peatón-ciclista, marcar por donde debe ir el trasporte...
No creo q este sea motivo para ir a la cárcel (estoy segura que en el fondo los policías que lo arrestaron algo de admiración sentirían, o les parecerá original, pero es su obligación y han de cumplir con la ley)
Es una buena manera de expresar un cambio en la ciudad pero, ¿qué pasaría si todo el mundo saliese a la calle a expresar lo que siente o todo aquello que le molesta y quiere cambiar?

Y yo me pregunto… ¿Qué hubiera pasado si a Picasso le hubieran prohibido pintar en un lienzo?
 Extrapolemos esa pregunta al contexto de la entrada, ¿que hubiera pasado si banksy, peter Gibson o muchos otros, hubieran cumplido las leyes y no hubiesen salido a la calle a representar su obra?







Publicado por monografias3 en 12/05/2011 No hay comentarios:
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Etiquetas: Maria Omiste

domingo, 4 de diciembre de 2011

Woody Allen; crítico social


(comienzo de la película Match point)


Las películas de Woody Allen reflejan un carácter autobiográfico, por tanto es fácil conocerle como persona mediante sus obras. Conocemos sus opiniones frente al psicoanálisis (por ejemplo), frente a las relaciones sociales, a la ciencia, a la religión, a la fantasía, a la seducción, el amor o la historia. Esto se ejemplifica en películas completas que tratan sobre dado tema o en ocasiones se refleja en algunas secuencias, escenas o a veces incluso en alguna simple frase o gesto.

He intentado investigar lo que Allen tiene que decir en el terreno de lo social, quizás no de manera tan clara como otros temas, pero siempre presente en sus filmes. En sus películas aparecen ciertas características políticas o sociales presuponen sus perspectivas.

Una de las críticas recurrentes que realiza Woody Allen es sobre la clase social alta. Quizás es porque él se crio en una familia modesta que prefiere la sencillez de la clase media. Pero Woddy Allen ha demostrado esta postura tanto en sus largometrajes como en su vida personal, y un ejemplo de ello sería las pocas veces que ha asistido a la entrega de los premios Oscar, ni aun cuando era él el nominado al premio, y más marcada fue su ausencia cuando se decretó su victoria. Woody se defendió diciendo que tenía ensayo con su banda de jazz ese mismo día y por eso no pudo ir.

De una manera más fuerte y cruda pone en descubierto esta postura en “Match point” donde aparecen dos personajes en situaciones parecidas (tienen una relación formal con una mujer, pero después embarazan a una amante y tienen que decidir qué hacer frente a tal problema), con la diferencia de que uno no tiene nada que perder al abandonar la relación formal pues es parte de una familia adinerada de Inglaterra; sin embargo el otro personaje depende de su relación formal para vivir desahogadamente en lo económico, hacerse de un lugar en una familia con poder y hacer algo de su vida que se había detenido por no poder continuar su profesión anterior. Posteriormente la película da un giro radical pero se alcanza a percibir que el personaje instalado en una buena situación económica pudo actuar con “impunidad”.



El interés de esta entrada radica en que la industria del cine tiene mucho poder, y me refiero no solo al económico, sino al de las posibilidades que tiene llegar a todas las partes del mundo, de exhibir la producción; por ello es, en mi opinión, que ha estado “pseudocensurada”, y ciertas críticas frente a algunos puntos de debate social, o expresión de algunos valores, o lo que sea, han estado más difuminados, que en otras ramas artísticas. Sin embargo el cine independiente, que surge como una forma de liberarse de la industria poderosa, ha sido un buen medio para aquellos artistas que sentían la necesidad de provocar. Sin embargo, la desigualdad de posibilidades de distribución hace que prácticamente no se recuerden títulos del cine independiente.

Igual esta película no es la mejor para ejemplificar una crítica social severa, y que remueva conciencias… pero creo que Woddy Allen es una personalidad independiente, que no ha abandonado sus ideales a la postre de hacer cine por divertir, sino que quiere mostrar una opinión, que evoluciona, como su vida y la sociedad en la que vive, y como lo hacen también sus obras.



Algunas frases de la película:

"Ella creía lo que quería creer"

"Nosotros (departamento de investigación de asesinatos) no hacemos juicios morales, sólo hacemos investigaciones criminales"

"No conoces a tus vecinos hasta que hay una crisis"

"Aprendes a esconder la conciencia sobre la alfombra, y seguir"

"Los inocentes son sacrificados para dar paso a un orden mayor"

"Me da igual que sea fabuloso (referencia a un bebé), sólo espero que tenga suerte"
Publicado por monografias3 en 12/04/2011 No hay comentarios:
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Etiquetas: Belén Rodriguez

sábado, 3 de diciembre de 2011

MAFALDA Y LA CRÍTICA SOCIAL



Resulta muy original hacer una seria crítica al mundo en que vivimos desde los cómics, sobretodo cuando la protagonista de las tiras es una niña. Pero como suele pasar, a veces los niños tienen una visión más fresca y clara de lo que sucede. Mientras tanto, los mayores, de una manera un tanto egoísta con el resto de la humanidad, se preocupan más por sus problemas personales y se cruzan de brazos esperando a que el mundo se solucione él solito o se conforman con lo que hay procurando vivir de la mejor forma posible en un mundo que en ciertos aspectos va hacia abajo.

Mafalda, el personaje fundamental de estas historietas, se caracteriza por ser una precoz inconformista del mundo que le ha tocado vivir y preocupada por la paz de nuestra humanidad. Representa la aspiración idealista y utópica de construir un mundo mejor.

El cómic resulta ser una completa bomba de reflexión sobre temas fundamentales de la vida, desde el aspecto más filosófico al más polítco. Asimismo habrá hecho que más de uno ría a carcajadas con algunas de sus ocurrencias, lo que endulza un poco el exceso de pesimismo que guardan muchas de las historietas.

No obstante, le faltan respuestas a tanta queja, pues en ningún momento, Quino, el autor, propone a través de la niña o de otro de sus personajes nada que pueda servirnos para cambiar todo eso que le desagrada.


Publicado por monografias3 en 12/03/2011 2 comentarios:
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Etiquetas: María Jesús Blanco

Rock Against Bush

American Idiot es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense de punk rock Green Day, que fue lanzado el 21 de septiembre de 2004 por Warner Bros Records.



La intención de este trabajo es la de ser una ópera punk rock, inspirado en Quadrophenia de The Who, entre otros. La mayoría de las canciones son una clara crítica a la administración de George Bush y la guerra de Irak en particular, y la sociedad estadounidense contemporanéa en general.

Desde su lanzamiento, American Idiot ha vendido más de 15 000 000 millones de copias en todo el mundo y más de 6 000 000 millones de copias sólo en Estados Unidos. El álbum ganó numerosos premios incluyendo un Grammy al Mejor Álbum de Rock.

Este grupo de punk rock critica abiertamente la reelección de Bush como presidente del gobierno de Estados Unidos, pero no son los únicos; ya que el mundo del punk rock se movilizó para crear una recopilación musical denominada "Rock against Bush" que es parte del proyecto "Punk Voter". A raíz de esto, se organizó una gira por todos los Estados Unidos en la cual participarían grupos como Sum 41, Mudhoney, Pennywise, Green Day, Good Charlotte, etc. entre muchos otros. Este movimiento fue inspirado principalemente por la idea de crear un sentimiento anti-guerra y pro-paz.

Los primeros conciertos se realizaron en aquellos estados en los cuales George Bush tenía más seguidores, siguiendo después la gira por todo el país. Esta gira nos recuerda a al éxito que obtuvo la gira "Rock against racism" de los británicos The Clash a finales de los 70.

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Etiquetas: Maria Arteche Astigarraga
"Odio la obra de arte. El arte no está en las estatuas,
está fuera, en otro sitio."
Jorge Oteiza

He elegido esta cita para introducir a Christo Javacheff, artista hacedor de esculturas integradas en el paisaje, cuyas obras de arte se escapan de lo cotidiano. Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno.

Christo Javacheff nació en Bulgaria, y estudió durante cuatro años en la Academia de Bellas Artes de Sofía. La idea de intervenir sobre el paisaje con ese afán de envoltura, procede de uno de los ejercicios que hizo cuando todavía era estudiante de arte: los estudiantes eran enviados a las líneas ferroviarias para embellecerlas a modo de decorado para recibir visitas de altas personalidades. Sus primeras obras eran “empaquetages” en los que envolvía botellas, latas o cajas, con tela o plástico.

Christo combina los avances técnicos del siglo XX y la era industrial con inquietudes de la era postindustrial como la búsqueda de la belleza y el retorno a la naturaleza, dotando de originalidad a sus obras.
Una obra de Christo forma parte del mundo, y al mismo tiempo, está separada de él. Su arte en cuanto a proyecto utiliza tecnología a avanzada, y es ecológico. En parte es una de las ideas que Christo denuncia; el abuso que la sociedad actual acomete sobre la naturaleza, por ello, él trata de preservarla en todas sus obras, envolviéndola como si necesitara una capa protectora.

Además, la gran escala de sus obras tiene el mismo mensaje, ya no es sólo que el espectador pueda contemplar dicha obra desde infinitos puntos de vista, a cualquier hora del día, sino el peso o la repercusión que quiere que tengan dentro de la sociedad, como el legado de unas ideas de fragilidad del planeta Tierra y que está en nuestras manos preservar. Sus obras requieren años de trabajo, de negociaciones para conseguir permisos, para resolver problemas, para organizar el montaje etc. y después resultan ser unas obras efímeras, de una duración de dos semanas. Esto hace que la obra, y su mensaje, subsista en las mentes de todos. Christo nos recuerda que el medio es el mensaje

Christo realiza tres cosas a la vez: crea obras de asombrosa belleza; lo que crea es arte, artificial, construido, salido de las manos del hombre y realizadas el mundo real; y, por ultimo, modifican nuestra manera de ver las cosas.



Aquí dejo algunas de sus obras:




Wrapped Coast (costa de Little Bay en Sidney)

Umbrellas (Sombrillas azules instaladas en Ibaraki, Japón.)

Running Fence (una cerca cubierta por un velo, que se extendía por el paisaje hasta el mar)

Surrounded Islands (rodea once islas en la Bahía Vizcaina de Miami)


Verhüllte Bäume (178 árboles envueltos en el Parque Berower, al noroeste de Basilea, Suiza)
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Etiquetas: Belén Rodríguez

viernes, 2 de diciembre de 2011

ENFRENTAMIENTO ENTRE GRUPO E INDIVIDUO

Título: La Ola (Die Welle)
Director: Dennis Gansel
Nacionalidad de producción: Alemania
Año de realización:2008

 


 "...¿cómo es posible que el pueblo alemán ignore la masacre del pueblo judío?..."

    Dennis Gansel emplea la cuestión anterior como impulsora de un filme caracterizado por un argumento provocador, crítico y polémico; estamos hablando de La Ola (Die Welle).

     La película nos presenta a un profesor de gimnasia de instituto que se ve obligado a impartir una clase de autocracia con la que pretende demostrar que es posible la imposición de una dictadura en cualquier sociedad, incluso en la era contémporanea. Para ello inicia un experimento que consiste en fomentar un sentimiento de unidad entre sus alumnos, alejándolos de los estudiantes de otras clases. Es este sentimiento el que origina una motivación entre los jóvenes, que fugazmente se ven arrastrados por "la ola".

     El presente filme, mas allá de la evidente crítica a los totalitarismos, nos expone los métodos empleados por los dictadores para alcanzar dichos régimenes autocráticos a partir de una supuesta legitimidad democrática inicial. La Ola nos muestra algunas de las estrategias, aparentemente inocentes y bondadosas, capaces de hipnotizar a sociedades enteras que respaldan a sus populistas líderes de un modo irracional. Resulta increíble lo sencillo que parece iniciar un movimiento autocrático dentro de nuestra sociedad, cómo nuestro sentido común se vuelve inútil ante el movimiento de "la masa".

      Los jóvenes del filme, aunque aparentemente "felices", experimentan tan diversas emociones como son la soledad, la incompresión, la confusión, la frustración,...; emociones que crean en los mismos la necesidad de formar parte de "algo", sin ser rechazados ni discriminados. El grupo aporta seguridad a la persona, lo arropa, le da fuerzas,... No obstante, al mismo tiempo, anula toda caracteristica individual para transformarla en grupal, ahora lo que importa es el colectivo. El grupo genera un marco en el que la existencia del individuo parece tener sentido al aportar respuestas, ideales,... Nos encontramos con el llamado "misterio Hitler": la capacidad de un individuo para mantener durante un perido de tiempo un discurso no muy complejo en esencia y conseguir el fanatismo elemental de millones de ciudadanos de una de las naciones más cultas del mundo.

      En mi opinión podemos extrapolar determinadas situaciones de la película a nuestra realidad actual, quizás despojándolas del carácter extremadamente radical con el que se nos presentan. En el mundo contemporáneo encontramos gobiernos que manipulan la opinión pública, mintiendo y falseando, con el claro objetivo de perpetuarse en el poder. La manipulación de la masa es un hecho innegable.


      Considero imprescindible recalcar que uno de los motivos principales que me han llevado a analizar este filme es que está basado en hechos reales: en otoño de 1967, Ron Jones, profesor de historia en California, comenzó un experimento al que bautizó como The Third Wave. El entusiasmo surgió entre sus alumnos, que llegaron a acosar a aquellos que no querían pertenecer al "grupo". Al quinto día Ron Jones, aterrorizado incluso por el cambio que estaba sufriendo en su personalidad, detuvo el movimiento.


 
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Etiquetas: LÓPEZ CARREIRO IRIA

MARTIN PARR: CRÍTICA ATÓPICA

   "...Si le das al mundo historias tristes y deprimentes, nadie va a escucharte, o esa es la sensación que me da. Por eso, intento que mis fotos sean brillantes y coloridas y, con un poco de suerte, aceptablemente buenas. Porque quiero incluir a mi público en todo ello; no quiero cabrearlo, quiero atraerlo. Y, una vez interesado, podrá leer más cosas en las fotos. Lo que no espero es que mis fotos cambien nada. Eso es muy ingenuo. La gente solía hablar antes en esos términos, pero ya no...". Martin Parr.


  En el mundo contemporáneo todo artista busca impactar, atraer, empatizar,... esto es, buscar alguna reacción por parte del observador ante su obra: acción-reacción, así funciona. La mayor parte de estos artistas hacen uso de elementos dramáticos, intensos, escabrosos, duros,...; dejando de lado lo cotidiano, lo convencional, lo diario,... Los autores prefieren retratar en sus proyectos situaciones extremas de violencia, marginación social, caos, pobreza,... en vez de abordar cuestiones tradicionales.

   Son estos motivos lo que me llevan a fijarme en este fotógrafo, Martin Parr, cuya actitud me sorprende. Parr parece alejarse del pesimismo general que adoptan otros, para crear un arte, según el propio autor, brillante, colorido. No pretende cabrear, sino interesar. Por otro lado, resulta curioso y, a mi parecer, algo incoherente, el hecho de que afirme no buscar con su arte un cambio de actitud por parte del que observa, ya que ¿acaso no resulta imposible permanecer indiferente ante el arte? 

   El arte lleva intrínseca en su naturaleza la capacidad de alterar la actitud, el pensamiento, los sentimientos,... del que contempla. Las reacciones de los individuos pueden ser de muy diversas naturalezas, pero existen.

   Tras esta reflexión descubrimos a Martin Parr (Reino Unido, 1952), un fotógrafo británico reconocido internacionalmente debido a su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. 

   El presente artista esconde una obra irónica cuyo principal objetivo resulta efectuar una crítica acerca del estilo de vida de la clase media-alta. El sentido del humor constituye un elemento esencial en algunos de los trabajos del presente, que trata la decadencia de la vida diaria plasmando el aburrimiento, la banalidad o la falta de sentido de la existencia del hombre moderno. Hablamos, por ejemplo, de una serie de fotografías que reflejan el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora británica durante el gobierno de Margaret Tatcher.

    No podemos finalizar sin mencionar otro de sus trabajos, Luxury; del que el propio artista dijo "...Todo el mundo fotografía a los pobres, así que yo decidí que quería fotografiar a los ricos. Es algo que inspira poca confianza. Está claro que fotografiar una guerra da más prestigio, no hay discusión,pero seguir el rastro de la clase media o, ahora, de los nuevos ricos no despierta demasiado interés...". 

   En el mencionado proyecto, el artista decidió enfocar los más ostentosos detalles de aquel planeta anterior a la crisis económica actual mediante el retrato de lujosos escaparates repletos de obscenidad. Ahora, ante la crisis, poco queda ya de ese mundo consumista hasta el extremo que, a pesar de no haberse esfumado, deja de exhibirse de un modo tan banal como lo hacía; y esto es lo que verdaderamente resulta curioso: el hecho de que Parr plantease esta serie antes de la llegada de la crisis que actualmente inunda la economía. Llegamos a la conclusión de que dicho proyecto podría ser interpretado como un legado de aquello que fue pero ya no es, como un álbum recordatorio de aquella época de "general" bienestar económico a la que todos anhelamos regresar.

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Etiquetas: LÓPEZ CARREIRO IRIA

"LAS TORTURAS DE ABU GHRAIB" FERNANDO BOTERO

FERNANDO BOTERO

"LAS TORTURAS DE ABU GHRAIB" (2004)




    Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Colombio). Considerado icono universal del panorama artístico, su extensa obra se caracteriza por un original estilo figurativo, denominado por algunos como "Boterismo", caracterizado por la interpretación que el autor efectúa de distintas realidades (el ser humano, los sentimientos, las pasiones,...) mediante una volumetría exagerada y desproporcionada, ligada a una concepción anatómica particular. Encontramos una obra plagada de crítica mordaz, ironía, humor, mensajes sutiles e ingenuidad.

    Desde sus inicios la obra de Botero ha recurrido a escenas costumbristas; no obstante, en la reciente, el artista ha abarcado temáticamente la situación política colombiana y mundial. Hablamos, en este caso, de la serie dedicada a "Abu Ghraib", cuadros que pretenden expresar los horrores de la tortura y de la guerra relacionada con la invasión de los Estados Unidos a Irak y los sucesos de dicha prisión a partir de las declaraciones de las personas allí torturadas.

    Fernando Botero decide con esta serie criticar la inaceptable conducta del Gobierno de los Estados Unidos con el objetivo de despertar una conciencia política entre el público, acompañándola con declaraciones tales como la que sigue, "...decidí pintar esta serie por la ira que sentí y que sintió el mundo entero por este crimen cometido por el país que se presenta como modelo de compasión, de justicia y de civilización". Estas acusaciones despertaron la polémica mundial, ya que para algunos la obra de Botero representa el pretexto ideal para ejercer una crítica "sin sentido" contra Estados Unidos.

    Debe recordarse que Botero rechazó toda similitud entre lo sucedido en Abu Ghraib y la violencia vivida en Colombia, pues para él: “la violencia en Colombia casi siempre es producto de la ignorancia, la falta de educación y la injusticia social. Lo de Abu Ghraib es un crimen cometido por la más grande armada del mundo olvidando la Convención de Ginebra sobre el trato a los prisioneros".

    En la presente serie, Botero alude a la forma en que va despojándose a los prisioneros de la poca libertad que poseen. En la siguiente imagen observamos como un hombre, cuyo rostro aparece cubierto por una capucha, permanece con las manos atadas a la espalda. A pesar de ello, el personaje parece caminar en el espacio reducido de su celda. Nos encontramos una libertad prisionera.




Fernando Botero apela en su obra a la humillación, además de la tortura, que se ejercía en contra de algunos de los prisioneros. Ejemplo de ello es la pintura en la que se ve a un hombre de pie con los ojos cubiertos.  Este individuo está siendo sometido a un daño psicológico, además de físico, al ser vestido con unas prendas de mujer que ironizan su masculinidad. 




Es curioso que, a pesar de la evidente tortura que se manifiesta en las imágenes, apenas se alude o identifica a aquellos que la ejercen. Observamos en la siguiente obra a un hombre de espaldas, desnudo y maniatado. Del lado derecho surge un brazo en cuya mano sostiene un palo con el que azota al prisionero. 




Llegamos a la conclusión de que Botero con esta serie pretende llegar más allá de una simple denuncia, puesto que la misma constituye la oportunidad de criticar la imagen de un país que se presenta ante el mundo como ejemplo de democracia.
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Etiquetas: LÓPEZ CARREIRO IRIA

jueves, 1 de diciembre de 2011

Jeff Wall y Delacroix: Composición, color, historia.

Se puede hablar de las fotografías de Jeff Wall si de una escena de película se tratara: con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o prestadas, a partir de clásicos pintores como Édouard Manet. Los temas que maneja son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase.
Con The destroyed room Wall construye una alegoría del fracaso del individuo contemporáneo: la imagen descubre un panel iluminado fijado a un escaparate al nivel de la calle de una galería de Vancouver, es la desolación inesperada donde debía haber sólo una ilusión momentánea y tranquilizadora.
El artista promueve la lectura de sus obras a la luz de una vocación de historiador sobre todo del siglo XIX y por la "expansión" de la imagen fotográfica hacia lo literario. Puede que Wall haya descubierto que las "señales de indiferencia" de la fotografía actual han perdido su capacidad de acercarse al gran simulacro que es hoy nuestra vida moderna y se resigne a ver en la literatura el único medio capaz de reconocer la realidad entre sus disfraces.
Su trabajo es el de un creador perfeccionado a partir, como él mismo reconoce, de "la confusión existente en la historia del arte". Por ello, retoma trabajos de autores como el romántico Delacroix en el que se inspiro para crear su The destroyed room.
En "La habitación destruida", estaba interesado en hacerle un remake a una imagen preexistente, una especie de actitud manierista sobre la imagen. La pintura de Delacroix me pareció muy moderna. Veo muchas de las tan llamadas artes viejas de ese modo ¿Porqué no deberíamos poder relacionarnos con ellas como contemporáneas? (Entrevista a Jeff Wall en moma.org).
La muerte de Sardanópulos es una escena del monarca Asirían (territorios de Irán, Irak, Siria y Turquía) en su lecho de muerte y la matanza de sus concubinas como un desafío hacia sus enemigos.
Esta referencia es realizada por Delacroix con el mismo complejo de historiador que Jeff Wall. Recupera un escenario pasado con el que luego podrá analizar los rasgos de su época. Muestra el erotizado ideal de la gloria militar que caracterizo al período Napoleónico.  En el marco histórico de Delacroix se encuentran el principio de la modernidad, la burguesía, la vida privada.
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Etiquetas: Cristina Pérez Sahagún
EL ARTE DE LA DEBILIDAD HUMANA


Perdido en la ciudad (Hiding in the city) es un asombroso proyecto fotográfico del artista chino Liu Bolin (Shandong, 1973). A través de esta obras sorprendentes, basadas en el ingenio creativo y digital, contemplamos el resultado de un minucioso trabajo en que el consigue mimetizarse con el entorno que lo rodea.

                                                


La ilusión de su desaparición, posee una intencionalidad social y política evidente. Utiliza sus trabajos para mostrar que la situación de los artistas en la sociedad y sus lugares de procedencia no están siendo protegidos. Es una forma de protesta contra las atrocidades, acechos y censuras del partido comunista chino. Liu Bolin fue víctima de la demolición Soujia Village en 2005, área residencial de artistas en la que se encontraba su estudio.

La sensación de no encajar en la sociedad moderna china, donde no se valora su esfuerzo artístico, hace que se vea a sí mismo como un extraño, como alguien que no encuentra su sitio entre los demás. Y por ello, se hace invisible en sus fotografías: él está ahí, desarrollando su arte, pero no le vemos, no le distinguimos del entorno.



Bolin se esconde en cabinas de teléfonos, muros con graffittis, estadios modernos, anuncios publicitarios. Liu Bolin actúa como el caminante que transita en las calles sin horizonte fijo. Está siendo parte de un espectáculo, en el que mira desde un escondite, pero desde el que también es mirado.






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Etiquetas: Belén Rodriguez

EL ARTE DE PERTENECER A UN PAÍS: DEL ORGULLO FRANCÉS AL SUEÑO AMERICANO


El hecho de que un artista nazca en un país o en otro marca enormemente la condición en que éste represente o deje de representar a su país: Piranesi no firmaba como arquitecto veneciano en vano, del mismo modo que Miguel Ángel nunca dejó de sentirse plenamente romano. William Turner siempre fue londinense; Sorolla, español. Precisamente por haber nacido en uno u otro lugar el artista se confirma como propio de esa tierra a través de la crítica, para bien o para mal, de su propia patria, su propio país y su propia sociedad.






Francia, país con unas costumbres, un carácter y unos ideales que sus ciudadanos defenderán hasta la muerte. Los autores franceses, como les corresponde, defenderán en su mayoría la grandeza de un país que lucha por sus causas y, de hecho, así ocurre con este cuadro de Delacroix, “La libertad guiando al pueblo”. En torno a la figura femenina de la Libertad gira una representación de las diferentes clases unidas por una única causa. Se puede ver a un burgués con su sombrero de copa empuñando el fusil al lado de un herido que pide clemencia a Francia. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente indicándonos que ha valido la pena morir por ella. Se refleja, en resumen, ese sentimiento con el que se identifican los franceses y que han mantenido hasta hoy en día (se podría ver un paralelismo con las revueltas de 2005 o las del año pasado).






Esta exposición, que ha ido mostrándose por distintas ciudades de España, está formada por catorce paneles de gran tamaño, que fueron encargados en 1911 a Sorolla por el hispanista norteamericano Milton Huntington, para decorar una de las salas de la Hispanic Society, que fundó a principios del siglo XX con el objetivo de dar a conocer la cultura española en los Estados Unidos. Se trata no sólo de la obra más importante de Sorolla, sino también de uno de los más importantes conjuntos pictóricos de todo el siglo XX. En dichos cuadros Sorolla pretende remarcar la cultura española con una especial preocupación por la tradición de los distintos pueblos.





Otra manifestación del arte de una patria, esta vez en forma de crítica de lo que años más tarde sería el conocido sueño americano: Edward Hopper, pintor neoyorkino del siglo XX conocido por sus retratos de la soledad en la vida estadounidense contemporánea. En un primer momento se relacionó con la denominada American Scene, un grupo heterogéneo de artistas que compartían un mismo interés por los temas propios de América, dato que ya da ciertas pistas sobre las inquietudes de este artista.

Su personalidad taciturna y sus formas austeras tuvieron un fuerte reflejo en su obra. El concepto aplicado a su pintura, American scene painting, refleja a la perfección su mundo: con una representación simplificada pero precisa de la realidad, lo que pintaba era un mundo sin salida, donde sus habitantes estaban atrapados en un entorno de soledad. Todos sus cuadros parecen encerrarse en una impotencia tranquila, resignada, que fluye desde el rostro de las figuras solitarias y se disemina por las escenas urbanas.






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Etiquetas: Carolina Larrazábal Álvarez-Guerra

banksy en los simpson

Todos conocemos la mundialmente conocida serie de animación "Los Simpson"
La serie es una sátira de la sociedad estadounidense, desarrollada en un pueblo ficticio llamado Springfield, que narra la vida de una familia de clase media. Cada capítulo dura alrededor de unos 20 minutos y todos ellos tienen una breve introducción de un par de minutos, como la que se muestra a continuación



Antes que nada, hay un dato que conviene saber. La serie no la realizan únicamente los estudios estadounidenses. Ellos se encargan del guión, los storyboards y las voces, para todo lo demás, lo envían a corea del Sur.
El director, Matt Groening, invitó al polémico graffitero Banksy a realizar una intro para los Simpson y, ¿qué se puede esperar de una persona inconformista con el sistema?


Banksy realiza una dura crítica hacia 20th century Fox por la externalización de una gran parte importante de  los medios de producción a corea del Sur y sobretodo,  los métodos drásticos que se utilizan.
Al principio del video, podemos observar lo que se podía esperar de Banksy:

-El cuervo que abre la intro con una rata en la boca. La rata es la manera en la que Banksy se retrata en los muros, ya que se pasea por los lugares más notables dejando su huella. Se ve reflejado en ellas por el rechazo que provocan estos roedores en la sociedad.

-Numerosas pintadas en carteles de Springfield, en el instituto… e incluso Bart a la hora de escribir en la pizarra, lo hace por todo el aula.

Todo parece transcurrir con cierta normalidad hasta llegar al clímax, el momento en el que se sienta la familia en el salón, que pasan a ser una pantalla en una fábrica en pésimas condiciones laborales donde miles de asiáticos trabajan en la animación de la serie. Podemos nombrar los gatos vivos que emplean para hacer de relleno en los peluches de Bart Simpson, el Oso panda que tira del carro, La cabeza de un delfín muerto para sellar las cajas, el unicornio famélico para hacer los agujeros de los discos…

Y todo culmina con una vista exterior del estudio 20th century Fox tras una tenebrosa alambrada.

Banksy satiriza los mitos habituales en la industria del entretenimiento como la explotación de la mano de obra,  condiciones de trabajo espantosas entre ratas y huesos…

“Esto es lo que obtienes cuando contratas a terceros para que hagan tu trabajo” bromeó el director ejecutivo de los Simpson Al Jean.
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